7 книг об истории музыки: от Боэция до Горохова
Средневековый трактат Боэция, исторические очерки Соллертинского, философия модернистской музыки Адорно, экспериментальные герои Майкла Наймана и именины сердца по Андрею Горохову — очередной обзор книг на «Теориях и практиках».
Danil Burygin 13 ноября 2014
«Основы музыки»
Боэций А.М.С.
Трактат Боэция, был, возможно, самым читаемым средневековым трудом, посвященным музыке — свидетельства о нем можно найти более чем в 150 документах с IX по XV века. Боэций суммирует все известные на тот момент представления античности о музыке, в частности пифогорейские арифметические труды по музыкальной теории. В «Основах музыки» философ также впервые вводит понятие «квадривиум», которым в Средневековье стали называть курс светского образования, состоящего из четырех дисциплин: арифметики, геометрии, астрономии и музыки. Трактат Боэция внес самый большой вклад в средневековое понимание музыки как математической дисциплины.
Боэций проводит интересную для современной культуры мысль, что наука, в целом, занимает более почетное место, чем ремесло, потому что гораздо важнее знать, что каждый делает, чем делать то, что каждый знает. Центральным моментом в его теории является соотношение разума и чувств при восприятии музыки. Боэций попытался рационализировать удовольствие, получаемое от музыки. По его мнению, существует три типа занимающихся музыкальным искусством: музыканты, играющие на инструментах, сочинители песен и, условно говоря, теоретики, которые судят о музыке. Музыковед находится в самом лучшем положении по отношению к двум другим типам практикующих музыку, потому что его восприятие обогащено более благородным видом получаемого удовольствия — при помощи интеллекта. Человеку же по природе недостаточно получать чувственное удовольствие, ему необходимо объяснить его разумом.
Боэций проводит иерархическое разделение музыки на три уровня. К высшему уровню принадлежит «музыка сфер», которая непосредственно в себе выражает Бога. «Человеческая музыка», под которой понимается вокальная, занимает более низкое положение в этой иерархии. Последнее место занимает инструментальная музыка, в представлении Боэция она существует в самой природе инструмента. Наибольшее значение, как для теории, так и для практики средневековой музыки, имеет анализ и теоретическое обоснование Боэцием системы античных ладов, интервалов и звуковысотности.
«Иоганн Себастьян Бах»
Артур Швейцер
В знаменитом исследовании жизни и творчества Баха Артур Швейцер берет за отправную точку идею о том, что существует два типа художников. Первые не зависят от эпохи, идут ей наперекор, их искусство полностью подчинено особенностям их личности, для адекватного выражения их мыслей и чувств они нуждаются в новых формах. Вторые не чувствуют потребности искать новые пути, их главная задача — переработать с совершенством то, что они наблюдают вокруг себя, поднимаясь над собственной личностью. К последним, по мнению Швейцера, и относится герой этой книги.
Бах был самоучкой, всему научился сам: игре на клавире и органе, гармонии, композиции. Именно поэтому он питал отвращение к абстрактной теории, но до конца жизни интересовался всем, что происходило в современной европейской музыке, и учился у знаменитых современников. Даже в зрелые годы Бах занимался переделкой и переложением для клавира чужой музыки. На протяжении всего XVII века его признавали как виртуозного органиста, теоретика и дидактика искусства фуги, но не считали крупным композитором. Тогдашнему идеалу «tendren und affektuosen Ausdruck» («нежное и чувствительное выражение») не соответствовала устаревшая баховская фуга и техника контрапункта. В это время канторальные хоры пришли в упадок и не допускались к богослужению, а духовные хоровые произведения требовали современных текстов и эффектного звучания. Возрождение музыки Баха произошло в XIX веке, начавшись с биографии Форкеля, который впервые называет его произведения национальным достоянием, а память о них — национальным долгом.
Книга Швейцера интересна с точки биографии композитора и как анализ его произведений, которые присутствуют в ней практически в полном объеме. Швейцер понимает Баха как «поэта-музыканта», для него важна идея синтеза искусств: прежде всего слова и звука. Кроме того, автор подробно анализирует произведения Баха с точки зрения музыкального языка, настойчиво подчеркивая его живописно-изобразительное свойство: колористическое мастерство и многообразие оттенков, придаваемое нескольким мелодическим оборотам. больше всего отличают технику Баха, по мнению Швейцера.
«Исторические этюды»
Иван Соллертинский
Книга советского музыковеда Соллертинского посвящена жизни и творчеству композиторов эпохи романтизма Автор успешно избегает клишированной интонации, свойственной биографиям романтиков — особенно в советской музыковедческой литературе. Творчество композиторов представлено в «Исторических этюдах» не самыми известными их произведениями. Например, у Бетховена Соллертинский рассматривает провалившееся в первой постановке единственное его оперное произведение «Фиделио».
Стремление Соллертинского к живому и небанальному изображению композиторов и их творчества вполне соответствует духу той эпохи — жестоких композиторских «войн» и выразительного «имиджа» творца. Хорошо показан хайп, возникший вокруг «Ифигении» Глюка, который заставил Париж забыть об Американской революции, на долгое время вытеснил литературные и политические темы из салонов и театральных фойе, вызвав взаимные оскорбления в журнальной полемике. В войне между «вагнерианцами» и «брамсиацами» Антона Брукнера причислили к первым из-за его большой любви к Рихарду Вагнеру. В то же время, Брукнер в своих симфониях стоял на позиции «абсолютной музыки», т. е. чистого искусства, что в корне противоречило основной концепции Вагнера о смерти непрограммной музыки и синтезе музыки и поэзии. Так Брукнер оказался «чужим среди своих».
«Легкий» Оффенбах предстает как великий сатирик Второй империи, эпохи Наполеона 3 во Франции: сатира, выражавшаяся через преувеличенном эротизм, гедонизм и канкан. Гектор Берлиоз, который «родился под взбесившейся звездой», с его «демонической» репутацией, чья жизнь сама по себе представляет собой законченную романтическую биографию. Вагнер, про себя говоривший, что «только тогда ему было по себе, когда он был вне себя». Невротик Малер, по поводу манеры дирижирования которого говорили: «мимика одержимой судорогами кошки». Сборник очерков обладает только одним существенным недостатком — навязчивой тенденциозностью советской официальной идеологии, которая время от времени проявляется в анализе творчества того или иного композитора
«Философия новой музыки»
Теодор Адорно
«Философия новой музыки» Адорно выросла из эссе о Шенберге, в котором он хотел подвергнуть анализу функцию современной музыки и функцию композитора. Позже выбор только одного композитора или одной школы показался Адорно недостаточным для рассмотрения всей «новой», модернистской, музыки. Поэтому для решения этой задачи он выбрал творчество двух композиторов: Шенберга и Стравинского, у которых яснее всего, по мнению Адорно, выразились «идеи самих произведений», которые и являются предметом анализа философии музыки. В результате книга композиционно строится на противопоставлении двух разных композиторских техник: первый раздел называется «Шенберг и прогресс», второй — «Стравинский и реставрация». Из названий разделов ясно, что Адорно был приверженцем додекафонной техники Новой Венской школы, предводителем которой был Шенберг.
Для Адорно философия музыки возможна только как философия новой музыки. Ретроградная теория музыки, с помощью которой критика сковывала композиторский дар и навязывала ему свое некомпетентное суждение, с возникновением новой музыки уже не позволяет судить о произведении с общих позиций. Критике приходится иметь дело с индивидуальной образной системой и судить ее по ее же законам. Ярость публики, направленная против новой музыки, объясняется Адорно желанием ускользнуть от «тотального просвещения»: «Пугающие публику диссонансы говорят только о ее собственном состоянии».
Точно так же, как изношенность и банальность уменьшенного септаккорда легко распознавались с определенного момента в 19 веке даже не слишком подготовленным слушателем, можно говорить об изношенности всей тональной системы. Адорно настаивает, что та публика, которой недоступна музыка Новой Венской школы, имеет поверхностное представление и о сонатах Бетховена, составленное из превратно усвоенных ассоциаций и идей при совершенно неусвоенной музыкальной структуре. Изначальный «бушующий» импульс, заложенный, например, в романтизме, буржуазная публика превращает в предмет интерьера. Таким образом, если публика восстает против этого импульса, то она уничтожает как раз то, что на словах стремится защищать. Шостаковича, Стравинского и Бриттена Адорно характеризует «общим вкусом к безвкусице» и «наивностью от необразованности». В сущности, в этой концепции выражается отождествление общественного процесса и развития музыки. Метод Шенберга понимается, прежде всего, как путь «познания, свободного от искусства».
«Реставрация» Стравинского, по Адорно, характеризуется растворением субъекта во внешней «убедительности». Для Адорно Стравинский был композитором, главной своей целью полагавший стать признанным классиком в то время, когда реставрация была уже невозможна. Эстетическое заигрывание Стравинского с варварством, фиксации на телесном жесте, в частности, в балете «Весна священная», понимается как бунт культуры против своей культурной сути. Другое противоречие Стравинского, считает Адорно, это принцип «музыки о музыке», в котором выражается отчужденность от природы и отсутствие собственно музыкального события, постоянное пародирование и бесконечное размножение чужих стилей. Как пишет Кети Чухров в предисловии к русскому изданию, его «игра состоит во временном присваивании некоей фигуры, чтобы впоследствии, путем ее моделирования (или исследования, как сказал бы сам Стравинский), отменить или вытеснить ее смысл собственным».
Experimental music: Cage and Beyond.
Michael Nyman
Книга английского композитора, а в то время еще только музыкального критика, Майкла Наймана была впервые издана в 1974 году и описывает тот период в музыке 50-60-х годов, которую создавали, главным образом, американские и английские композиторы.
Термин «экспериментальная музыка», объединяющий ряд композиторов, в противопоставление европейскому авангарду того времени (Булез, Штокхаузен, Ксенакис, Ноно, Берио, Буссоти), впервые обозначил Джон Кейдж примерно в 1955 году. Начало экспериментальной музыки Найман датирует первым исполнением произведения «4’33» Джона Кейджа. Принцип противопоставления экспериментальной музыки европейскому авангарду состоит в понимании того, что значит сам акт сочинения музыки. По словам Кейджа, экспериментальная музыка предполагает «действие, результат которого заранее неизвестен». То есть в сочинении музыки процесс начинает играть гораздо более важную роль, чем результат. Как пишет Найман, экспериментальные композиторы интересовались очерчиванием поля, в котором должна действовать композиция, определением ситуации, в которой возникает звук. Все эти условия могут создаваться в процессе исполнения, чем и занимались «импровизационные» композиторы экспериментальной музыки. Принцип, по которому случайная ситуация или набор факторов, непроизвольно создаваемых исполнителем в процессе исполнения произведения,так и называется Найманом — «процесс».
Экспериментальная музыка начинает использовать немузыкальные средства выразительности и взаимодействовать с другими художественными практиками, в то время как представители европейского авангарда в это время в большинстве своем занимаются сериализмом (который не нужно путать с серийной техникой вообще), изобретенным еще учениками Шенберга Албаном Бергом и Антоном Веберном. Неслучайно Брайан Ино в предисловии к книге пишет о том, что многие встречи композиторов экспериментальной музыки в то время проходили в большинстве художественных школах. В книге приводятся описания нескольких художественных акций, которые Джон Кейдж осуществлял совместно с группой Флюксус, в том числе знаменитое представление в колледже Блэк Маунтэйн в 1952 году, которое некоторые исследователи считают первым хэппенингом в истории искусства.
Герои книги Наймана, помимо Джона Кейджа, — молодые композиторы 50-60 годов: Корнелиус Кардью, Ла Монт Янг, Кристиан Вульф, Фредерик Ржевски, Мортон Фельдман, Стив Райх, Терри Райли и другие. Найман приводит анализ их произведений, примеры их документации, историю исполнения.
Arcana: Musicians on Music
Zorn J. Arcana
Джон Зорн, радикальный авант-джазовый саксофонист и композитор, постмодернист от джаза, лидер нью-йоркской авангардной сцены, названной Downtown, выступает в качестве редактора и составителя сборника статей, манифестов, нотных записей произведений, бесед и интервью музыкантов, в которых они рассказывают о своей и чужой музыке, делятся эстетическими соображениями и мыслями о состоянии музыки. Arcana являет собой взгляд на эту крайне некоммуникативную музыку с точки зрения субъекта — музыканта. Список имен известен всякому, кто знаком с лейблом Tzadik, на котором Зорн издает музыку всех этих музыкантов: Джон Освальд, Билл Фризелл, Фред Фрит, Марк Рибо, Икю Мори, Боб Остертаг, Майк Пэттон, Эллиот Шарп, Ларри Окс, Дэвид Малер и другие, — практически все, что звучит как громкий диссонанс.
Структура книги состоит из четырех разделов: «History and Stories», «Discourse», «Theory and Practice», «Critical Impulses» и «Conversations». Подборка текстов сделана с нарочитым эклектизмом: «научные» статьи соседствуют со «стихами в прозе», вроде текста «One/Two» Дэвида Ши. Дэвид Розенбум рассказывает о своей теории пропозициональной музыки. Билл Фризелл рассказывает о своей особой технике звукоизвлечения на гитаре. Майк Пэттон сокрушается об ответственности музыкантов и композиторов за будущее музыкальной индустрии. Джон Освальд пишет о том, как к нему пришла идея, чтобы струнный квартет «сыграл» то, что он сам наблюдал на протестном митинге ЛГБТ. Марк Рибо начинает свою статью «Earplugs» со слов: «Привет. Меня зовут Марк. Я гитарист, который ставит настроенные на предельную громкость усилители прямо напротив собственной головы. Часто. Иногда около 250 вечеров в год за последние 20 лет». Далее следуют его размышления о том, как восприятие постоянной экстремальности в культуре меняется с течением времени.
Сам Зорн часто себя называет «авангардным продюсером». Собственно главным итогом его музыкальной карьеры является создание целого музыкального дискурса. Основанный им Tzadik с 1995 года выпустил более 400 альбомов, всю эту музыку можно воспринимать как единое целое. Зорн же может восприниматься как композитор, создавший эту музыку, даже как ее исполнитель, когда, например, он «играет на музыкантах» в качестве дирижера-импровизатора на последних концертах.
«Музпросвет»
Андрей Горохов
Книга, в аннотации к которой написано , что это «исполнение желаний, именины сердца и праздник на вашей улице», представляет собой итог многолетних раздумий музыкального критика и радиожурналиста Андрея Горохова о судьбе популярной музыки девяностых и нулевых. Предыдущая редакция «Музпросвета» была выпущена в самом начале нулевых годов и содержала основную идею, что популярная музыка, после массового бума электронной музыки в 90-е, на определенном этапе застыла и исчерпала себя.
Данная редакция книги написана уже в конце следующего десятилетия, и ее основной пафос состоит в том, что за это десятилетие так ничего и не произошло, несмотря на безграничный доступ к бесплатной музыке и доступность ее изготовления. На основе этой идеи Горохов конструирует подчеркнуто субъективную историю популярной музыки, начиная с 50-х годов и до конца нулевых, как складывания «музыки-как-саунда». В этой истории основная магистраль проходит там, где находится андеграунд и всяческие периферийные музыкальные явления. То, что называется музыкальным «мэйнстримом», в книге тоже присутствует, на некоторых моментах Горохов даже останавливается достаточно подробно, но все же играет скорее придаточную роль.
В центре книги «Музпросвет», как и одноименной программы на радиостанции «Deutsche Welle», находится электронная музыка. История электронных направлений современной музыки, от эсид -хауса до дабстепа, содержащая анализ социальных и технологических факторов ее генезиса, — наиболее ценный материал «Музпросвета».
Если при студийной записи любого современного музыкального направления создается особая акустическая реальность, то работа над саунд-дизайном и должна составлять основную задачу «техноидной» музыки. Но такой дизайн в современной электронной музыке представляет собой, в конечном счете, гибридизацию разных стилевых компонентов. Современная эпоха — время тотального ретро, что особенно наглядно доказывают набравшие популярность в этом десятилетии ретро-рок группы — The Strokes, The White Stripes, Yeah Yeah Yeahs. Ретро, по мнению Горохова, обладает изначальной фальшью, это «возвращение к утраченному оригиналу, который никогда не существовал», так как любой объект, удаляясь во времени, обретает все большую романтическую ауру «настроения», только потому, что он находится там, где нас обычно нет. По той же причине, считает Горохов, люди ходят в цирк.
Главные герои 90-х для Горохова — Pan Sonic, Aphex Twin, Oval, Workshop — не нашли себе замены в нулевых. Последним многообещающим явлением в популярной музыке оказался психофолк, представленный, например, Animal Collective, CocoRosie, No Neck Blues Band и Девендрой Бенхартом. Психофолк, однако, быстро исчерпал свою «новую искренность» и уперся в то же самовоспроизведение. В специальной главе, названной «Кошмарные разоблачения», автор изобличает рок-мифологию, искусственно раздуваемую прессой поп-индустрию, не обходя стороной даже, собственно, андеграунд, который в любой своей форме представляет собой ту же индустрию, но устроенную по типу закрытого клуба. Своим методом анализа культурных явлений Горохов, по-видимому, считает метод деконструкции.
В чем отличие данного «упадочного» десятилетия от других, кроме отсутствия продолжительного массового хайпа вокруг конкретного стилевого изобретения? Почему Animal Collective и NNCK не стали «раздутыми героями» нулевых, как предполагалось? Что делать с другим, не «ретро-» роком? Куда делся во всей этой истории джаз? На все эти вопросы Горохов не отвечает. Зато замечает, что, в целом, воспроизводимость — неотъемлемое качество культурной традиции, вне зависимости от эпохи и места.//https://theoryandpractice.ru/posts/6343-7-knig-ob-istorii-muzyki-ot-boetsiya-do-gorokhova
*************************************************
Основные эпохи в истории развития музыки. Краткий справочник
История академической музыки | |
Средневековье | (476—1400) |
Ренессанс | (1400—1600) |
Барокко | (1600—1750) |
Классицизм | (1750—1820) |
Романтизм | (1820—1900) |
Модернизм | (1890—1930) |
XX век | (1901—2000) |
XXI век | (2001 — н. в.) |
Основные музыкальные эпохи
Доисторическая музыка
Доисторической, или примитивной, принято обозначать устную музыкальную традицию.
Термин «доисторическая» обычно применим к музыкальной традиции древних европейских народов, а в отношении музыки представителей остальных континентов используются другие термины – фольклорная, традиционная, народная.
Первые музыкальные звуки – это подражания человека голосам животных и птиц во время охоты. И первый в истории музыкальный инструмент – это человеческий голос. Усилием голосовых связок человек уже тогда мог виртуозно воспроизводить звуки в широком диапазоне: от пения экзотических птиц и стрекота насекомых до рыка дикого зверя.
Первым доисторическим музыкальным инструментом, существование которого официально подтверждают археологи, является флейта. В своей первобытной форме она представляла собой свисток. Свистовая трубочка приобрела отверстия для пальцев и стала полноценным музыкальным инструментом, который постепенно усовершенствовался до формы современной флейты. Прототипы флейты были обнаружены при раскопках в юго-западной Германии, датируемых периодом 35-40 тыс. лет до нашей эры.
Музыка древнего мира
Доисторическая эра заканчивается с переходом на письменную музыкальную традицию.
Старейшая известная песня, зафиксированная на клинописной табличке, была найдена на раскопках Ниппура, она датируется 2000 г до н. э. Табличка была расшифрована профессором А. Д. Килмер из Университета Беркли, также было продемонстрировано, что она сочинена терциями и использовала пифагоров строй.
Двойные трубы, такие, какие использовали, например, древние греки, и древние волынки, а также обзор древних рисунков на вазах и стенах, и древняя письменность (см., например, «Проблемы» Аристотеля, Книга XIX.12[4]), в которой описана музыкальная техника того времени, указывают на полифонию. Одна трубка в авлосе, вероятно, создавала фон, в то время как другая играла мелодичные пассажи. Инструменты, как например флейта с семью отверстиями и различные виды струнных инструментов были найдены у цивилизации долины Инда.
Упоминания об Индийской классической музыке (марга) могут быть найдены в священных писаниях Ведах. Сама-веда, одна из четырёх вед, подробно описывает музыку. История музыки в Иране (Персии), восходит к доисторической эре. Легендарному великому царю, Джамшиду, приписывают изобретение музыки. Музыку в Иране можно проследить в прошлое до дней эламской империи (2500—644 до н. э.). Отрывочные документы из различных периодов истории страны показывают, что древние персы имели обширную музыкальную культуру. Сасанидский период (226—651 н. э.), в частности, оставил нам множество доказательств, указывающих наличие оживлённой музыкальной жизни в Персии. Имена некоторых важных музыкантов, таких, как Барбод, Накисса и Рамтин, а также названия некоторых их работ сохранились.
На стенах пирамид, в древних папирусах, в сборниках «Тексты пирамид» и «Книга мёртвых» есть строки религиозных гимнов. Встречаются «страсти» и «мистерии». Популярным сюжетом были «страсти» Осириса, который ежегодно умирал и воскресал, а также женские песни-плачи над мертвым Осирисом. Исполнение песен могло сопровождаться драматическими сценами.
Древнейшими музыкальными инструментами египтян были арфа и флейта. В период Нового царства египтяне играли на колоколах, бубнах, барабанах и лирах, импортируемых из Азии. Богатые люди устраивали приёмы с приглашением профессиональных музыкантов.
Считается, что именно в Древней Греции музыка достигла наивысшего расцвета в культуре Древнего мира. Само слово «музыка» имеет древнегреческое происхождение. В Древней Греции впервые была отмечена закономерная связь между высотой звука и числом, открытие которой традиция приписывает Пифагору.
Рост полисов, в которых проходили большие культовые и гражданские праздники, привёл к развитию xoрового пения под аккомпанемент духового инструмента. Вместе с авлосом вошла в употребление металлическая труба. Постоянные войны стимулировали развитие военной музыки. Вместе с тем развивалась и лирическая поэзия, которая распевалась под аккомпанемент музыкальных инструментов. Среди известных авторов песен — Алкей, Архилох и Сапфо.
Классиком xoровой лирики стал поэт и музыкант Пиндар, автор гимнов, застольных и победных од, отличавшихся разнообразием форм, богатством и причудливостью ритмов. Ha основе гимнов Пиндара развились дифирамбы, исполнявшиеся на дионисийских празднествах (около 600 до н. э.).
Музыка была неотъемлемой частью театральных представлений. Трагедия сочетала в себе драму, танец и музыку. Авторы трагедий — Эсхил, Софокл, Еврипид подобно древнегреческим лирическим поэтам, были одновременно и создателями музыки. По мере развития в трагедию вводились музыкальные партии корифея и актёров.
Еврипид в своих произведениях ограничил введение хоровых партий, сосредоточив основное внимание на сольных партиях актёров и корифеев, по образцу, так называемого, нового дифирамба, отличавшийся большим индивидуализацией, эмоциональностью, подвижным, виртуозным характером.
Создателями стиля нового дифирамба стали Филоксен из Китеры и Тимофей Милетский. Авторы древнегреческих комедий часто использовали многострунные кифары для сопровождения литературного текста, вводили в спектакль народные песенные мелодии.
Музыка эпохи средневековья
Музыка эпохи средневековья — период развития музыкальной культуры, охватывающий промежуток времени примерно с V по XIV века н.э.
ЕВРОПА
В эпоху средневековья в Европе складывается музыкальная культура нового типа — феодальная, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор.
Поскольку церковь господствует во всех областях духовной жизни, основу профессионального музыкального искусства составляет деятельность музыкантов в храмах и монастырях.
Светское профессиональное искусство представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.).
Со временем развиваются любительские и полупрофессиональные формы музицирования рыцарства: во Франции — искусство трубадуров и труверов (Адам де ла Аль, XIII век), в Германии — миннезингеров (Вольфрам фон Эшенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII-XIII века), а также городских ремесленников. В феодальных замках и в городах культивируются всевозможные роды, жанры и формы песен (эпические, «рассветные», рондо, ле, виреле, баллады, канцоны, лауды и др.).
Входят в быт новые музыкальные инструменты, в том числе пришедшие с Востока (виола, лютня и т. д.), возникают ансамбли (нестабильных составов). В крестьянской среде расцветает фольклор. Действуют также «народные профессионалы»: сказители, странствующие синтетические артисты (жонглёры, мимы, менестрели, шпильманы, скоморохи).
Закреплению, сохранению и распространению традиций и эталонов (но также и их постепенному обновлению) способствовал переход от невм, лишь приблизительно указывавших характер мелодического движения, к линейной нотации (Гвидо д’Ареццо, XI век), позволившей точно фиксировать высоту тонов, а затем и их длительность.
В Западной Европе с VI-VII веков. складывается строго регламентированная система одноголосной (монодической) церковной музыки на основе диатонических ладов (григорианское пение), объединяющая речитацию (псалмодия) и пение (гимны).
На рубеже 1-го и 2-го тысячелетий зарождается многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, затем месса. Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая) школа при Соборе Парижской богоматери (Леонин, Перотин).
На рубеже Возрождения (стиль ars nova во Франции и Италии, XIV века) в профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функций (обслуживание церковных обрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных (Гильом де Машо).
ВОСТОЧНАЯ ЕВРОПА И АЗИЯ
В Восточной Европе и Закавказье (Армения, Грузия) развиваются свои музыкальные культуры с самостоятельными системами ладов, жанров и форм.
В Византии, Болгарии, Киевской Руси, позднее Новгороде расцветает культовое знаменное пение (Знаменный распев), основанное на системе диатонических гласов, ограничивающееся только чисто вокальными жанрами (тропари, стихиры, гимны и др.) и использующее особую систему записи нот (крюки).
В это же время на Востоке (Арабский халифат, страны Средней Азии, Иран, Индия, Китай, Япония) формируется феодальная музыкальная культура особого типа. Её признаки — широкое распространение светского профессионализма (как придворного, так и народного), приобретающего виртуозный характер, ограничение устной традицией и монодическими (мелодия без аккомпанемента) формами, достигающими, однако, высокой изощрённости в отношении мелодики и ритмики, создание весьма устойчивых национальных и межнациональных систем музыкального мышления, объединяющих в себе строго определённые виды ладов, жанров, интонационных и композиционных структур (мугамы, макамы, раги и др.).
Музыка эпохи Возрождения
Музыка эпохи Возрождения- период в развитии европейской музыки приблизительно между 1400 и 1600 годами
МУЗЫКА РЕНЕССАНСА (1534-1600)
В Венеции, примерно от 1534 до приблизительно 1600, впечатляет polychoral с развитым стилем, который дал Европе некоторые из самых больших, наиболее звучных мелодий, бывших до этого времени, с несколькими хорами певцов, латуни и струн в различные пространственные места в базилике Сан — Marco Di Venezia (венецианской школы).
Римскую школу представляла группа композиторов преимущественно церковной музыки в Риме, охватывающее поздний Ренессанс и раннее Барокко эпохи. Наиболее известным композитором римских школ был Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, чье имя ассоциируется четыреста лет с гладким, четким, полифоническим совершенством.
Краткого, но интенсивного музыкального расцвета достиг мадригал в Англии, в основном от 1588 до 1627, а также композиторы, его породившие. Английские мадригалы — это капелла, преимущественно в свете и стиле, и в целом, начали либо как копии или прямой перевод итальянских моделей. Большинство из них было по три-шесть голосов.
Musica reservata стиля или практика в исполнении капеллы вокальной музыки, в основном в Италии и южной Германии, включая уточнение и интенсивное эмоциональное выражение, пели тексты.
Кроме того, многие композиторы демонстрировали деление в своих работах между Prima Пратика (музыка в стиле ренессанса полифонического) и Seconda Пратика (музыка в новом стиле) в течение первой половины 17 века.
Музыка эпохи барокко
Музыка эпохи барокко- период в развитии европейской классической музыки приблизительно между 1600 и 1750 годами.
Барочная музыка появилась в конце эпохи Возрождения и предшествовала музыке эпохи классицизма.
Сочинительские и исполнительские приёмы периода барокко стали неотъемлемой и немалой частью музыкального классического канона.
Сильное развитие получили такие понятия, как теория музыки, диатоническая тональность, имитационный контрапункт. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор.
В эпоху барокко родились такие гениальные произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечеря» Клаудио Монтеверди.
Условной точкой перехода между эпохами барокко и ренессанса можно считать создание итальянским композитором Клаудио Монтеверди (1567—1643) его речитативного стиля и последовательное развитие итальянской оперы. Начало оперных спектаклей в Риме и особенно в Венеции означало уже признание и распространение нового жанра по стране.
Композиторы ренессанса уделяли внимание проработке каждой части музыкального произведения, практически не уделяя внимания сопоставлению этих частей. По отдельности каждая часть могла звучать превосходно, но гармоничный результат сложения был, скорее, делом случая, чем закономерности.
Появление фигурного баса указывало на значительное изменение в музыкальном мышлении — а именно то, что гармония, являющаяся «сложением частей в одно целое», так же важна, как и мелодические части полифония сами по себе. Всё больше и больше полифония и гармония выглядели, как две стороны одной идеи сочинения благозвучной музыки: при сочинении гармоническим секвенциям уделялось то же внимание, что и тритонам при создании диссонанса.
Италия становится центром нового стиля. Папство, хотя и захваченное борьбой с реформацией, но тем не менее обладающее огромными денежными ресурсами, пополняемыми за счёт военных походов Габсбургов, искало возможности распространения католической веры с помощью расширения культурного влияния.
Одним из важных центров музыкального искусства была Венеция, бывшая в то время как под светским, так и под церковным патронажем.
РАННЕЕ БАРОККО
Значительной фигурой периода раннего барокко, позиция которого была на стороне Католицизма, противостоящего растущему идейному, культурному и общественному влиянию Протестантизма, был Джованни Габриэли. Его работы принадлежат стилю «Высокого возрождения» (период расцвета Ренессанса). Однако некоторые его нововведения в области инструментовки (назначение определённому инструменту собственных, специфических задач) однозначно указывают, что он был одним из композиторов, повлиявших на появление нового стиля.
Одно из требований, предъявляемых церковью сочинению духовной музыки, заключалось в том, чтобы тексты в произведениях с вокалом были разборчивы. Это потребовало ухода от полифонии к музыкальным приёмам, где слова выходили на передний план. Вокал стал более сложен, витиеват по сравнению с аккомпанементом. Так получила развитие гомофония.
Монтеверди стал самым заметным среди поколения композиторов, почувствовавших значение для светской музыки этих изменений. В 1607 году его опера «Орфей» стала вехой в истории музыки, продемонстрировавшей множество приёмов и техник, которые впоследствии стали ассоциироваться с новой композиторской школой, названной seconda pratica, в отличие от старой школы или prima pratica. Монтеверди, сочинявший высококлассные мотеты в старом стиле, являвшиеся развитием идей Луки Маренцио (итал. Luca Marenzio) и Жьяша де Верта (нидерл. Giaches de Wert), был мастером в обеих школах. Но именно произведения, написанные им в новом стиле, открыли множество приёмов, узнаваемых даже в эпоху позднего барокко.
В распространение новых приёмов большой вклад внёс немецкий композитор Генрих Шюц (1585—1672), обучавшийся в Венеции. Он использовал новые техники в своих работах, когда служил хормейстером в Дрездене.
МУЗЫКА ЗРЕЛОГО БАРОККО (1654—1707)
Зрелое барокко отличается от раннего повсеместным распространением нового стиля и усилившимся разделением музыкальных форм, особенно в опере. Как и в литературе, появившаяся возможность потоковой печати музыкальных произведений привела к расширению аудитории; усилился обмен между центрами музыкальной культуры.
В теории музыки зрелого барокко определяется фокусированием композиторов на гармонии и на попытках создать стройные системы музыкального обучения. В последующие годы это привело к появлению множества теоретических трудов. Замечательным образцом подобной деятельности может служить работа периода позднего барокко — «Gradus ad Parnassum» (русск. Ступени к Парнасу), опубликованная в 1725 году Иоганном Йозефом Фуксом (нем. Johann Joseph Fux) (1660—1741), австрийским теоретиком и композитором. Это сочинение, систематизировавшее теорию контрапункта, практически до конца XIX века было важнейшим пособием для изучения контрапункта.
Выдающимся представителем придворных композиторов двора Людовика XIV был Джованни Баттиста Люлли (1632—1687). Уже в 21 год он получил звание «придворного композитора инструментальной музыки». Творческая работа Люлли с самого начала была крепко связана с театром. Вслед за организацией придворной камерной музыки и сочинением «airs de cour» он начал писать балетную музыку. Сам Людовик XIV танцевал в балетах, которые были тогда излюбленным развлечением придворной знати. Люлли был превосходным танцором. Ему доводилось участвовать в постановках, танцуя вместе с королём. Он известен своей совместной работой с Мольером, на пьесы которого он писал музыку. Но главным в творчестве Люлли было всё же написание опер. Удивительно, но Люлли создал законченный тип французской оперы; так называемой во Франции лирической трагедии (фр. tragedie lyrique), и достиг несомненной творческой зрелости в первые же годы своей работы в оперном театре. Неотъемлемым элементом его работы было внимание к гармонии и солирующему инструменту.
Композитор и виолинист Арканджело Корелли (1653—1713) известен своей работой над развитием жанра кончерто гроссо. Корелли был одним из первых композиторов, чьи произведения публиковались и исполнялись по всей Европе. Как и оперные сочинения Люлли, жанр кончерто гроссо построен на сильных контрастах; инструменты делятся на участвующие в звучании полного оркестра, и на меньшую солирующую группу. Музыка построена на резких переходах от громко звучащих частей к тихим, быстрые пассажи противопоставлены медленным. Среди его последователей был Антонио Вивальди, позднее сочинивший сотни работ, построенных на излюбленных формах Корелли: трио-сонатах и концертах.
В Англии зрелое барокко отмечено ярким гением Генри Пёрселла (1659—1695). Он умер молодым, в возрасте 36 лет, написав большое количество произведений и став широко известным ещё при жизни. Пёрселл работал в широком спектре жанров; от простых религиозных гимнов до маршевой музыки, от вокальных сочинений большого формата до постановочной музыки. Его каталог насчитывает более 800 работ. Пёрселл стал одним из первых композиторов клавишной музыки, влияние которых распространяется и на современность.
В отличие от вышеперечисленных композиторов Дитрих Букстехуде (1637—1707) не был придворным композитором. Букстехуде работал органистом, сначала в Хельсингборге (1657—1658), затем в Эльсиноре (1660—1668), а затем, начиная с 1668 года, в церкви св. Марии в Любеке. Он зарабатывал не публикацией своих произведений, а их исполнением, и патронажу знати предпочитал сочинение музыки на церковные тексты и исполнение собственных органных работ. К сожалению, сохранились далеко не все произведения этого композитора. Музыка Букстехуде во многом построена на масштабности замыслов, богатстве и свободе фантазии, склонности к патетике, драматизму, несколько ораторской интонации. Его творчество оказало сильное влияние на таких композиторов, как И. С. Бах и Телеман.
МУЗЫКА ПОЗДНЕГО БАРОККО (1707—1760)
Точная грань между зрелым и поздним барокко является предметом обсуждения; она лежит где-то между 1680 и 1720.
Важной вехой можно считать практически абсолютное главенство тональности, как структуризирующего принципа сочинения музыки. Это особенно заметно в теоретических работах Жана Филиппа Рамо, который занял место Люлли, как главного французского композитора. В то же время, с появлением работ Фукса, полифония ренессанса дала базис для изучения контрапункта. Комбинация модального контрапункта с тональной логикой каденций создала ощущение, что в музыке присутствует два сочинительских стиля — гомофонический, и полифонический, с приёмами имитации и контрапунктом.
Формы, открытые предыдущим периодом, достигли зрелости и большой вариативности; концерт, сюита, соната, кончерто гроссо, оратория, опера и балет уже не имели резко выраженных национальных особенностей. Повсеместно устоялись общепринятые схемы произведений: повторяющаяся двухчастная форма (AABB), простая трёхчастная форма (ABC) и рондо.
Антонио Вивальди (1678—1741) — итальянский композитор, родился в Венеции. В 1703 году принял сан католического священника. Первого декабря того же года он становится maestro di violino в венецианском сиротском приюте «Pio Ospedale della Pieta» для девочек. Известность Вивальди принесли не концертные выступления или связи при дворе, но публикации его работ, включавшие его трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты. Они были опубликованы в Амстердаме и широко разошлись по Европе. Именно в эти, в то время всё ещё развивающиеся инструментальные жанры (барочная соната и барочный концерт), Вивальди и внёс свой самый значительный вклад. Для музыки Вивальди характерны определённые приёмы: трёхчастная циклическая форма для кончерто гроссо и использование ритурнели в быстрых частях. Вивальди сочинил более 500 концертов. Он также давал программные названия некоторым своим работам, таким как знаменитые «Времена года». Карьера Вивальди показывает возросшую возможность для композитора существовать независимо: на доходы от концертной деятельности и публикации своих сочинений.
Доменико Скарлатти (1685—1757) был одним из ведущих клавишных композиторов и исполнителей своего времени. Он начал свою карьеру, как придворный композитор; вначале в Португалии, а с 1733 года в Мадриде, где он и провёл остаток жизни. Его отец Алессандро Скарлатти считается основателем неаполитанской оперной школы. Доменико тоже сочинял оперы и церковную музыку, но известность (уже после его смерти) ему обеспечили его произведения для клавишных. Часть этих произведений он написал для собственного удовольствия, часть — для своих знатных заказчиков.
Но возможно, самым знаменитым придворным композитором стал Георг Фридрих Гендель (1685—1759). Он родился в Германии, три года учился в Италии, но в 1711 году уехал Лондон, где и начал свою блистательную и коммерчески успешную карьеру независимого оперного композитора, выполняющего заказы для знати. Обладающий неутомимой энергией, Гендель перерабатывал материал других композиторов, и постоянно переделывал свои собственные сочинения. Например, он известен тем, что переработал знаменитую ораторию «Мессия» столько раз, что сейчас не существует версии, которую можно назвать «аутентичной». Несмотря на то, что его финансовое состояние то улучшалось, то приходило в упадок, его известность, основанная на опубликованных произведениях для клавишных, церемониальной музыке, операх, кончерто гроссо и ораториях всё возрастала. Уже после смерти он был признан ведущим европейским композитором, и изучался музыкантами эпохи классицизма. Гендель смешал в своей музыке богатые традиции импровизации и контрапункта. Искусство музыкальных украшений достигло в его произведениях очень высокого уровня развития. Он путешествовал по все Европе, чтобы обучаться музыке других композиторов, в связи с чем имел очень широкий круг знакомств среди композиторов других стилей.
Среди композиторов Франции выделяется Оттетер, автор знаменитого трактата об игре на флейте (1707), трактата об импровизации (1719) и руководства игры на мюзетте (1737), превосходный флейтист. Самые известные сочинения Оттетера — сюиты для флейты и баса, пьесы для соло флейты и двух флейт, трио-сонаты
В 1802 году Иоганн Николай Форкель издал первую наиболее полную биографию Иоганна Себастьяна Баха. В 1829 Феликс Мендельсон исполнил в Берлине баховские «Страсти по Матфею». Успех этого концерта стал причиной появления громадного интереса к музыке Баха в Германии, а затем и во всей Европе.
Иоганн Себастьян Бах родился 21 марта 1685 года в городе Эйзенах, Германия. За свою жизнь он сочинил более 1000 произведений в различных жанрах, кроме оперы. Но при жизни он не добился какого-либо значимого успеха. Много раз переезжая, Бах сменял одну не слишком высокую должность за другой: в Веймаре он был придворным музыкантом у Веймарского герцога Иоганна Эрнста, затем стал смотрителем органа в церкви св. Бонифация в Арнштадте, через несколько лет принял должность органиста в церкви св. Власия в Мюльхаузене, где поработал всего лишь около года, после чего вернулся в Веймар, где занял место придворного органиста и устроителя концертов. На этой должности он задержался на девять лет. В 1717 году Леопольд, герцог Анхальт-Кётенский, нанял Баха на должность капельмейстера, и Бах стал жить и работать в Кётене. В 1723 Бах переехал в Лейпциг, где и остался до своей смерти в 1750 году. В последние годы жизни и после смерти Баха его известность как композитора стала уменьшаться: его стиль считали старомодным по сравнению с расцветающим классицизмом. Его больше знали и помнили как исполнителя, педагога и отца Бахов-младших, в первую очередь Карла Филиппа Эммануила, музыка которого была известнее.
Лишь исполнение «Страстей по Матфею» Мендельсоном, через 79 лет после смерти И. С. Баха воскресило интерес к его творчеству. Сейчас И. С. Бах является одним из самых популярных композиторов всех времён (например, в голосовании «Лучший композитор тысячелетия», проведённом на Cultureciosque.com Бах занял первое место [15]).
Другие ведущие композиторы позднего барокко: Георг Филипп Телеман (1681—1767) и Жан Филипп Рамо (1683—1764).
Музыка периода классицизма
Музыка периода классицизма- период в развитии европейской музыки приблизительно между 1730 и 1820 годами
Понятие классицизма в музыке устойчиво ассоциируется с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена, называемых венскими классиками и определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.
Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классических состав частей сонаты и симфонии.
В период классицизма появляется струнный квартет состоящий из двух скрипок, альта и виолончели, значительно расширяется состав оркестра.
Романтизм
Романтизм — период развития музыки с 1820 года до начала ХХ века
Романтизм — идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII — 1-й половины XIX в.
В музыке романтизм сформировался в 1820-х гг. и сохранял свое значение вплоть до начала XX в. Ведущим принципом романтизма становится резкое противопоставление обыденности и мечты, повседневного существования и высшего идеального мира, создаваемого творческим воображением художника.
Первоначально романтизм выступил как принципиальный противник классицизма. Античному идеалу было противопоставлено искусство средних веков, далеких экзотических стран. Романтизм открыл сокровища народного творчества — песен, сказаний, легенд. Однако противоположность романтизма классицизму все же относительна, так как романтики восприняли и развили дальше достижения классиков. На многих композиторов большое влияние оказало творчество последнего венского классика — Л. Бетховена.
Принципы романтизма утверждали выдающиеся композиторы разных стран. Это К. М. Вебер, , Г. Берлиоз, Ф. Мендельсон, Р. Шуман, Ф. Шопен, Ф.Шуберт Ф.Лист. Р.Вагнер Дж.Верди
Для музыканта-романтика процесс важнее результата, существеннее достижения. Они, с одной стороны, тяготеют к миниатюре, часто включаемой ими в цикл других, как правило, разнохарактерных пьес; с другой — утверждают свободные композиции, в духе романтических поэм. Именно романтики разработали новый жанр — симфоническую поэму. Чрезвычайно велик вклад композиторов-романтиков и в развитие симфонии, оперы, а также балета.
Среди композиторов 2-й половины XIX — начала XX в.,: в чьем творчестве романтические традиции способствовали утверждению гуманистических идей, — И. Брамс, А. Брукнер, Г. Малер, Р. Штраус, Э. Григ, Б. Сметана, А. Дворжак и другие
В России отдали дань романтизму едва ли не все великие мастера русской классической музыки. Велика роль романтического мироощущения в произведениях основоположника русской музыкальной классики М. И. Глинки, особенно в его опере «Руслан и Людмила».
В творчестве его великих продолжателей при общей реалистической направленности роль романтических мотивов была значительна. Они сказались в ряде сказочно-фантастических опер Н. А. Римского-Корсакова, в симфонических поэмах П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки».
Романтическое начало пронизывает сочинения А. Н. Скрябина и С. В. Рахманинова.
Музыка 20-го века
Музыка 20-го века — общее обозначение группы течений в искусстве конца 19 и нач. 20 в.в., в частности Модернизма, выступающего под девизом современности, новаторства. Эти течения включают в себя также Экспрессионизм, Конструктивизм, Неоклассицизм, а также Додекафонию, электронную музыку и т.п.
МОДЕРНИЗМ
Музыка в период 1910 — 1960 гг.
ХХ век — время, когда технологии изменили мир. Музыка как неотъемлемая часть человеческой жизни также претерпела глобальные изменения. Композиторы опрокинули многие музыкальные правила прошлого и нашли новые, смелые темы и новые способы их выражения.
Одной из значительных фигур, изменивших музыку в первой половине столетия, был Арнольд Шёнберг — австрийский, затем американский композитор, дирижёр, музыковед. Возглавляемая им группа музыкантов решила, что тональная музыка (логическое построение соразмерных аккордов) исчерпала себя, и они предложили так называемую атональную музыку и 12-тоновой систему композиции (известную как «додекафония» или «серийная техника»). Такая музыка перестала быть мелодичной и гармоничной, не все композиторы восприняли их идеи.
ЭКСПРЕССИОНИЗМ
Экспрессионизм- сформировался в 1-м десятилетии XX века
Экспрессионизм в музыке сформировался в 1-м десятилетии 20 в.; ряд его элементов проявился в последних произведениях Г. Малера («Песнь о земле», 1908; 9-я, 1909 и неоконченной 10-я симфонии) и операх. Р. Штрауса («Саломея», 1905; «Электра», 1908).
Однако В большей степени он связан с творчеством композиторов т. н. новой венской школы — А. Шёнберга (глава школы), А. Берга и А. Веберна. Шёнберг, начавший свой путь с произведений, близких позднему романтизму, пришёл к отрицанию романтических идеалов, сменившихся у него настроениями безотчётной тревоги, страха перед действительностью, пессимизмом и скепсисом.
Композиторы этого направления выработали круг особых средств музыкальной выразительности; они отказались от широкой напевной мелодики, ясных тональных устоев; принцип атональности способствовал выражению зыбких душевных состояний и необъяснимого смутного беспокойства.
Многие произведения отличаются лаконизмом, давая лишь намёки на какой-либо образ или душевное переживание (в цикле Веберна «5 пьес для оркестра», 1910, некоторые части длятся менее 1 мин.)
Произведения, написанные в додекафонной технике, основаны на различного рода повторениях т. н. серии, что является, по мнению представителей этой школы, развитием принципов формообразования музыки барокко и раннего классицизма, Один из ранних типичных образцов — монодрама Шёнберга «Ожидание» (1909).
В творчестве Веберна Э. перерождается в иную стилистическую формацию, где господствует абстрактно-рационалистическое конструктивное начало. Поэтому именно Веберн был признан родоначальником послевоенного музыкального авангардизма.
Атональная музыка (греч. а — отрицательная частица; буквально — внетональная музыка), понятие, относящееся к музыке, не имеющей тональной организации звуков. Возникло в начале 1900-х гг. и было связано с творчеством композиторов новой венской школы (А. Шёнберг, А. Берг, А. Веберн). Основной признак А. м. — отсутствие объединяющего соотношения тонов с главным центром лада — тоникой. Отсюда — аморфность музыкальной речи, распад структурных функций гармонии, диссонантный уровень звучания и т.п.
В 1922 Шёнберг изобрёл метод композиции «с 12 соотнесёнными лишь между собой тонами» (получивший затем наименование додекафония), в задачу которого входило внесение в анархию А. м. строгого порядка. А. м. лежит в основе многих систем композиции, входящих в арсенал авангардизма. Эстетические принципы А. м. тесно связаны с экспрессионизмом. Метод, приёмы и элементы А. м. встречаются у композиторов различных направлений (Ч. Айве, Б. Бриттен, Б. Барток, А. Онеггер и др.).
КОНСТРУКТИВИЗМ
Конструктивизм находит выражение в комбинировании жестких, резко диссонирующих созвучий, синкопированных, ломанных ритмических фигур. В музыке Конструктивизма часто применяются джазовые звучания. Несмотря на полемику, жарко разгоревшуюся вокруг этого направления, Конструктивизм, как стиль, жив по сей день и пользуется заслуженным уважением. Экстремальное направление в искусстве XX века, получившее особенно широкое развитие после Первой мировой войны.
Конструктивизм отмечен культом машины, обезличивает человека, умаляет либо вовсе отрицает идейно-эмоциональное содержание искусства. В применении к музыке сводит творчество к «строительству» звуковых форм, комбинированию различных элементов музыкальной
НЕОКЛАССИЦИЗМ
Неоклассицизм — течение в музыкальном творчестве 20 в., стремящееся возродить художественные образы, формы и стилистические приемы музыки классического периода, к которой в данном случае относят различные музыкальные школы 18 в. и более ранних веков.
Неоклассицизм в музыке был тенденцией двадцатого века, особенно актуальной в период между этими двумя мировыми войнами, во время которых композиторы стремились возвратиться к эстетическим предписаниям, связанным с широко определенным понятием «классицизма», а именно, заказать, балансировать, ясность, экономика, и эмоциональная сдержанность.
Также, неоклассицизм был реакцией против несдержанного эмоционализма и чувствовал бесформенность последнего романтизма, так же как «призыв к порядку» после экспериментального фермента первых двух десятилетий двадцатого века.
В форме и тематической технике, неоклассическая музыка часто черпала вдохновение в музыке 18-ого столетия, хотя вдохновляющий канон принадлежал так часто барочным и еще более ранним периодам относительно Классического периода по этой причине, музыку, которая тянет вдохновение определенно из Барокко, иногда называют нео причудливой.
У неоклассицизма было две отличных национальных линии развития, французский язык (происхождение влияния Эрика Сати, и представлял Игорем Стравинским), и немецкий язык (происхождение «Нового Объективизма» Ферруччо Бузони, и представлял Паулем Хиндемитом.) Неоклассицизм был эстетической тенденцией, а не организованным движением; даже много композиторов не обычно мысль как «neoclassicists» поглощали элементы стиля.
Источник: https://infoselection.ru/infokatalog/muzyka/muzyka-obshchee/item/545-istoriya-muzyki-muzykalnye-epokhi
Величайшие композиторы мира всех времен: списки в хронологическом и алфавитном порядке, справочники и произведения
100 великих композиторов мира
Список композиторов в хронологическом порядке
2. Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (1525 –1594)
3. Клаудио Монтеверди (1567 –1643)
4. Генрих Шютц (1585 –1672)
5. Жан Батист Люлли (1632 –1687)
6. Генри Пёрселл (1658 –1695)
7. Арканджело Корелли (1653 –1713)
8. Антонио Вивальди (1678 –1741)
9. Жан Филипп Рамо (1683 –1764)
10. Георг Гендель (1685 –1759)
11. Доменико Скарлатти (1685 –1757)
12. Иоганн Себастьян Бах (1685 –1750)
13. Кристоф Виллибальд Глюк (1713 –1787)
14. Йозеф Гайдн (1732 –1809)
15. Антонио Сальери (1750 –1825)
16. Дмитрий Степанович Бортнянский (1751 –1825)
17. Вольфганг Амадей Моцарт (1756 –1791)
18. Людвиг Ван Бетховен (1770 –1826)
19. Иоганн Непомук Гуммель (1778 –1837)
20. Николло Паганини (1782 –1840)
21. Джакомо Мейербер (1791 –1864)
22. Карл Мария фон Вебер (1786 –1826)
23. Джоаккино Россини (1792 –1868)
24. Франц Шуберт (1797 –1828)
25. Гаэтано Доницетти (1797 –1848)
26. Винченцо Беллини (1801 –1835)
27. Гектор Берлиоз (1803 –1869)
28. Михаил Иванович Глинка (1804 –1857)
29. Феликс Мендельсон-Бартольди (1809 –1847)
30. Фридерик Шопен (1810 –1849)
31. Роберт Шуман (1810 –1856)
32. Александр Сергеевич Даргомыжский (1813 –1869)
33. Ференц Лист (1811 –1886)
34. Рихард Вагнер (1813 –1883)
35. Джузеппе Верди (1813 –1901)
36. Шарль Гуно (1818 –1893)
37. Станислав Монюшко (1819 –1872)
38. Жак Оффенбах (1819 –1880)
39. Александр Николаевич Серов (1820 –1871)
40. Сезар Франк (1822 –1890)
41. Бедржих Сметана (1824 –1884)
42. Антон Брукнер (1824 –1896)
43. Иоганн Штраус (1825 –1899)
44. Антон Григорьевич Рубинштейн (1829 –1894)
45. Иоганнес Брамс (1833 –1897)
46. Александр Порфирьевич Бородин (1833 –1887)
47. Камиль Сен-Санс (1835 –1921)
48. Лео Делиб (1836 –1891)
49. Милий Алексеевич Балакирев (1837 –1910)
50. Жорж Бизе (1838 –1875)
51. Модест Петрович Мусоргский (1839 –1881)
52. Петр Ильич Чайковский (1840 –1893)
53. Антонин Дворжак (1841 –1904)
54. Жюль Массне (1842 –1912)
55. Эдвард Григ (1843 –1907)
56. Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844 –1908)
57. Габриель Форе (1845 –1924)
58. Леош Яначек (1854 –1928)
59. Анатолий Константинович Лядов (1855 –1914)
60. Сергей Иванович Танееев (1856 –1915)
61. Руджеро Леонкавалло (1857 –1919)
62. Джакомо Пуччини (1858 –1924)
63. Гуго Вольф (1860 –1903)
64. Густав Малер (1860 –1911)
65. Клод Дебюсси (1862 –1918)
66. Рихард Штраус (1864 –1949)
67. Александр Тихонович Гречанинов (1864 –1956)
68. Александр Константинович Глазунов (1865 –1936)
69. Ян Сибелиус (1865 –1957)
70. Франц Легар (1870 –1945)
71. Александр Николаевич Скрябин (1872 –1915)
72. Сергей Васильевич Рахманинов (1873 –1943)
73. Арнольд Шёнберг (1874 –1951)
74. Морис Равель (1875 –1937)
75. Николай Карлович Метнер (1880 –1951)
76. Бела Барток (1881 –1945)
77. Николай Яковлевич Мясковский (1881 –1950)
78. Игорь Федорович Стравинский (1882 –1971)
79. Антон Веберн (1883 –1945)
80. Имре Кальман (1882 –1953)
81. Альбан Берг (1885 –1935)
82. Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 –1953)
83. Артур Онеггер (1892 –1955)
84. Дариюс Мийо (1892 –1974)
85. Карл Орф (1895 –1982)
86. Пауль Хиндемит (1895 –1963)
87. Джордж Гершвин (1898 –1937)
88. Исаак Осипович Дунаевский (1900 –1955)
89. Арам Ильич Хачатурян (1903 –1978)
90. Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 –1975)
91. Тихон Николаевич Хренников ( род. в 1913 году)
92. Бенджамин Бриттен (1913 –1976)
93. Георгий Васильевич Свиридов (1915 –1998)
94. Леонард Бернстайн (1918 –1990)
95. Родион Константинович Щедрин ( род. в 1932 году)
96. Кшиштоф Пендерецкий ( род. в 1933 году)
97. Альфред Гариевич Шнитке (1934 –1998)
98. Боб Дилан ( род. в 1941 году)
99. Джон Леннон (1940–1980) и Пол Маккартни (род. в 1942 году)
100. Стинг ( род. в 1951 году)
ШЕДЕВРЫ КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ
Лучшие произведения классической музыки всех времен
Самые известные композиторы мира
Список композиторов в алфавитном порядке
N | Композитор | Национальность | Направление | Год |
1 | Альбинони (Albinoni) Томазо | итальянский | Барокко | 1671-1751 |
2 | Аренский Антон (Антоний) Степанович | русский | Романтизм | 1861-1906 |
3 | Баини (Baini) Джузеппе | итальянский | Церковная музыка — Ренессанса | 1775-1844 |
4 | Балакирев Милий Алексеевич | русский | «Могучая кучка»-национально ориентированной русской музыкальной школы | 1836/37-1910 |
5 | Бах (Bach) Иоганн Себастьян | немецкий | Барокко | 1685-1750 |
6 | Беллини (Bellini) Винченцо | итальянский | Романтизм | 1801-1835 |
7 | Березовский Максим Созонтович | русско-украинский | Классицизм | 1745-1777 |
8 | Бетховен (Beethoven) Людвиг ван | немецкий | между классицизмом и романтизмом | 1770-1827 |
9 | Бизе (Bizet) Жорж | французский | Романтизм | 1838-1875 |
10 | Бойто (Boito) Арриго | итальянский | Романтизм | 1842-1918 |
11 | Боккерини (Boccherini) Луиджи | итальянский | Классицизм | 1743-1805 |
12 | Бородин Александр Порфирьевич | русский | Романтизм-«Могучая кучка» | 1833-1887 |
13 | Бортнянский Дмитрий Степанович | русско-украинский | Классицизм — Церковная музыка | 1751-1825 |
14 | Брамс (Brahms) Иоганнес | немецкий | Романтизм | 1833-1897 |
15 | Вагнер (Wagner) Вильгельм Рихард | немецкий | Романтизм | 1813-1883 |
16 | Варламов Александр Егорович | русский | русская Народная музыка | 1801-1848 |
17 | Вебер (Weber) Карл Мария фон | немецкий | Романтизм | 1786-1826 |
18 | Верди (Verdi) Джузеппе Фортунио Франческо | итальянский | Романтизм | 1813-1901 |
19 | Верстовский Алексей Николаевич | русский | Романтизм | 1799-1862 |
20 | Вивальди (Vivaldi) Антонио | итальянский | Барокко | 1678-1741 |
21 | Вила-Лобос (Villa-Lobos) Эйтор | бразильский | Неоклассицизм | 1887-1959 |
22 | Вольф-Феррари (Wolf-Ferrari) Эрманно | итальянский | Романтизм | 1876-1948 |
23 | Гайдн (Haydn) Франц Йозеф | австрийский | Классицизм | 1732-1809 |
24 | Гендель (Handel) Георг Фридрих | немецкий | Барокко | 1685-1759 |
25 | Гершвин (Gershwin) Джорж | американский | — | 1898-1937 |
26 | Глазунов Александр Константинович | русский | Романтизм-«Могучая кучка» | 1865-1936 |
27 | Глинка Михаил Иванович | русский | Классицизм | 1804-1857 |
28 | Глиэр Рейнгольд Морицевич | русский и советский | — | 1874/75-1956 |
29 | Глюк (Gluk) Кристоф Виллибальд | немецкий | Классицизм | 1714-1787 |
30 | Гранадос, Гранадос-и-Кампинья (Granados y Campina) Энрике | испанский | Романтизм | 1867-1916 |
31 | Гречанинов Александр Тихонович | русский | Романтизм | 1864-1956 |
32 | Григ (Grieg) Эдвард Хаберуп | норвежский | Романтизм | 1843-1907 |
33 | Гуммель, Хуммель (Hummel) Иоган (Ян) Непомук | австрийский — Чех по национальности | Классицизм-Романтизм | 1778-1837 |
34 | Гуно (Gounod) Шарль Франсуа | французский | Романтизм | 1818-1893 |
35 | Гурилёв Александр Львович | русский | — | 1803-1858 |
36 | Даргомыжский Александр Сергеевич | русский | Романтизм | 1813-1869 |
37 | Дворжак (Dvorjak) Антонин | чешский | Романтизм | 1841-1904 |
38 | Дебюсси (Debussy) Клод Ашиль | французский | Романтизм | 1862-1918 |
39 | Делиб (Delibes) Клеман Филибер Лео | французский | Романтизм | 1836-1891 |
40 | Детуш (Destouches) Андре Кардиналь | французский | Барокко | 1672-1749 |
41 | Дегтярёв Степан Аникиевич | русский | Церковная музыка | 1776-1813 |
42 | Джулиани (Giuliani) Мауро | итальянский | Классицизм-Романтизм | 1781-1829 |
43 | Динику (Dinicu) Григораш | румынский | 20th-century classical composers | 1889-1949 |
44 | Доницетти (Donizetti) Гаэтано | итальянский | Классицизм-Романтизм | 1797-1848 |
45 | Ипполитов-Иванов Михаил Михайлович | русский-советский композитор | 20th-century classical composers | 1859-1935 |
46 | Кабалевский Дмитрий Борисович | русский-советский композитор | 20th-century classical composers | 1904-1987 |
47 | Калинников Василий Сергеевич | русский | русской музыкальной классики | 1866-1900/01 |
48 | Кальман (Kalman) Имре (Эммерих) | венгерский | 20th-century classical composers | 1882-1953 |
49 | Кюи Цезарь Антонович | русский | Романтизм-«Могучая кучка» | 1835-1918 |
50 | Леонкавалло (Leoncovallo) Руджеро | итальянский | Романтизм | 1857-1919 |
51 | Лист (Liszt) Ференц (Франц) | венгерский | Романтизм | 1811-1886 |
52 | Лядов Анатолий Константинович | русский | 20th-century classical composers | 1855-1914 |
53 | Ляпунов Сергей Михайлович | русский | Романтизм | 1850-1924 |
54 | Малер (Mahler) Густав | австрийский | Романтизм | 1860-1911 |
55 | Масканьи (Mascagni) Пьетро | итальянский | Романтизм | 1863-1945 |
56 | Массне (Massenet) Жюль Эмиль Фредерик | французский | Романтизм | 1842-1912 |
57 | Марчелло (Marcello) Бенедетто | итальянский | Барокко | 1686-1739 |
58 | Мейербер (Meyerbeer) Джакомо | французский | Классицизм-Романтизм | 1791-1864 |
59 | Мендельсон, Мендельсон-Бартольди (Mendelssohn-Bartholdy) Якоб Людвиг Феликс | немецкий | Романтизм | 1809-1847 |
60 | Миньони (Mignone) Франсиску | бразильский | 20th-century classical composers | 1897 |
61 | Монтеверди (Monteverdi) Клаудио Джованни Антонио | итальянский | Ренессанса-Барокко | 1567-1643 |
62 | Монюшко (Moniuszko) Станислав | польский | Романтизм | 1819-1872 |
63 | Моцарт (Mozart) Вольфганг Амадей | австрийский | Классицизм | 1756-1791 |
64 | Мусоргский Модест Петрович | русский | Романтизм-«Могучая кучка» | 1839-1881 |
65 | Направник Эдуард Францевич | русский — Чех по национальности | Романтизм? | 1839-1916 |
66 | Огиньский (Oginski) Михал Клеофас | польский | — | 1765-1833 |
67 | Оффенбах (Offenbach) Жак (Якоб) | французский | Романтизм | 1819-1880 |
68 | Паганини (Paganini) Николо | итальянский | Классицизм-Романтизм | 1782-1840 |
69 | Пахельбель (Pachelbel) Иоганн | немецкий | Барокко | 1653-1706 |
70 | Планкет, Планкетт (Planquette) Жан Робер Жюльен | французский | — | 1848-1903 |
71 | Понсе Куельяр (Ponce Cuellar) Мануель Мария | мексиканский | 20th-century classical composers | 1882-1948 |
72 | Прокофьев Сергей Сергеевич | русский-советский композитор | Неоклассицизм | 1891-1953 |
73 | Пуленк (Poulenc) Франсис | французский | Неоклассицизм | 1899-1963 |
74 | Пуччини (Puccini) Джакомо | итальянский | Романтизм | 1858-1924 |
75 | Равель (Ravel) Морис Жозеф | французский | Неоклассицизм-Импрессионизм | 1875-1937 |
76 | Рахманинов Сергей Васильевич | русский | Романтизм | 1873-1943 |
77 | Римский — Корсаков Николай Андреевич | русский | Романтизм-«Могучая кучка» | 1844-1908 |
78 | Россини (Rossini) Джоаккино Антонио | итальянский | Классицизм-Романтизм | 1792-1868 |
79 | Рота (Rota) Нино | итальянский | 20th-century classical composers | 1911-1979 |
80 | Рубинштейн Антон Григорьевич | русский | Романтизм | 1829-1894 |
81 | Сарасате, Сарасате–и–Наваскуэс (Sarasate y Navascuez) Пабло де | испанский | Романтизм | 1844-1908 |
82 | Свиридов Георгий Васильевич (Юрий) | русский-советский композитор | НеоРомантизм | 1915-1998 |
83 | Сен–Санс (Saint–Saёns) Шарль Камиль | французский | Романтизм | 1835-1921 |
84 | Сибелиус (Sibelius) Ян (Юхан) | финский | Романтизм | 1865-1957 |
85 | Скарлатти (Scarlatti) Джузеппе Доменико | итальянский | Барокко-Классицизм | 1685-1757 |
86 | Скрябин Александр Николаевич | русский | Романтизм | 1871/72-1915 |
87 | Сметана (Smetana) Бриджих | чешский | Романтизм | 1824-1884 |
88 | Стравинский Игорь Фёдорович | русский | НеоРомантизм-НеоБарокко-Сериализм | 1882-1971 |
89 | Танеев Сергей Иванович | русский | Романтизм | 1856-1915 |
90 | Телеманн (Telemann) Георг Филипп | немецкий | Барокко | 1681-1767 |
91 | Торелли (Torelli) Джузеппе | итальянский | Барокко | 1658-1709 |
92 | Тости (Tosti) Франческо Паоло | итальянский | — | 1846-1916 |
93 | Фибих (Fibich) Зденек | чешский | Романтизм | 1850-1900 |
94 | Флотов (Flotow) Фридрих фон | немецкий | Романтизм | 1812-1883 |
95 | Хачатурян Арам | армянский-советский композитор | 20th-century classical composers | 1903-1978 |
96 | Хольст (Holst) Густав | английский | — | 1874-1934 |
97 | Чайковский Петр Ильич | русский | Романтизм | 1840-1893 |
98 | Чесноков Павел Григорьевич | русский-советский композитор | — | 1877-1944 |
99 | Чилеа (Cilea) Франческо | итальянский | — | 1866-1950 |
100 | Чимароза (Cimarosa) Доменико | итальянский | Классицизм | 1749-1801 |
101 | Шнитке Альфред Гарриевич | советский композитор | полистилистика | 1934-1998 |
102 | Шопен (Chopin) Фридерик | польский | Романтизм | 1810-1849 |
103 | Шостакович Дмитрий Дмитриевич | русский-советский композитор | Неоклассицизм-НеоРомантизм | 1906-1975 |
104 | Штраус (Straus) Иоганн (отец) | австрийский | Романтизм | 1804-1849 |
105 | Штраус (Straus) Иоганн (сын) | австрийский | Романтизм | 1825-1899 |
106 | Штраус (Strauss) Рихард | немецкий | Романтизм | 1864-1949 |
107 | Шуберт (Schubert) Франц | австрийский | Романтизм-Классицизм | 1797-1828 |
108 | Шуман (Schumann) Роберт | немецкий | Романтизм | 1810-1 |
ДОПОЛНИТЕЛЬНАЯ ИНФОРМАЦИЯ
Справочник по композиторам
Информация о композиторах, в т.ч. публикации, произведения, записи произведений для прослушивания
Справочник по композиторам
Краткая информация о большинстве известных композиторов
Справочник композиторов 20 века
Подробный справочник по композиторам 20 века (на французскoм языке)
Справочник по музыкальным произведениям
Краткая информация об известных произведениях классической музыки
МУЗЫКА
Записи произведений классической музыки , отсортированные по композиторам
**************************************************
Классическая музыка
Понятие «классическая музыка» (англ. classic music) очень широкое и многогранное. Обычно этим термином называют музыку прошлого, которая выдержала оценку временем и имеет аудиторию слушателей в современности. Классическая музыка – это лучшие образцы музыкального искусства разных жанров. Как правило, они базируются на «академических» жанрах и формах: симфония, опера, оратория, соната, прелюдия, сюита, увертюра и др. Эти жанры сформировались в Европе в XVII-XIX века и основываются на мелодических и гармонических принципах.
Главные инструменты, которые используются в классической музыке, появились до середины XIX века. Среди них используются сольные (орган, клавесин, фортепиано) и инструменты, предназначенные для игры в оркестре. Типичным способом исполнения в классической музыке является симфонический оркестр. Он включает в себя деревянные, струнные, медные и ударные инструменты.
Вехи истории классической музыки:
Античность (до 400 лет)
Средневековье (400-1400 года)
В это время основными музыкальными деятелями были трубадуры и труверы (Адам де ла Аль (Adam de la Halle), миннезингеры (Вальтер фон дер Фогельвейде (Walter von der Vogelweide), Вольфрам фон Эшенбах (Wolfram von Eschenbach) и духовные лица. Изобретается нотный стан (бенедиктинец Гвидо (Guido d’Arezzo).
Возрождение (XV-XVII века)
Главными композиторами того времени считаются Джованни да Палестрина (Giovanni Pierluigi da Palestrina), Томас Таллис (Thomas Tallis) и Томас Луис де Виктория (Tomás Luis de Victoria). Изобретаются разные виды смычковых и клавишных инструментов.
Барокко (XVII-сер. XVIII века)
Знаменитые имена: Иоганн Себастьян Бах (Johann Sebastian Bach), Антонио Вивальди (Antonio Lucio Vivaldi), Георг Фридрих Гендель (George Frideric Handel) и Генри Перселл (Henry Purcell). Основанный формы: опера, оратория, токката, фуга, соната, сюита, увертюра, концерт. Расцвет органной музыки, щипковых, струнных и деревянных духовых инструментов.
Классицизм (сер. XVIII-сер. XIX века)
Этот период связан с блестящими музыкальными дарованиями: Моцартом (Wolfgang Amadeus Mozart), ранним Бетховеном (Ludwig van Beethoven), Франц Йозеф Гайдном (Joseph Haydn). Определили дальнейшее развитие музыкальной композиции. Стандартизируется форма симфонии. Появилась такая форма исполнения как струнный квартет.
Романтизм (сер. XIX до XX века)
Фигурируют Бетховен (Ludwig van Beethoven), Шопен (Fryderyk Chopin), Франц Шуберт (Franz Peter Schubert), Чайковский, Ференц Лист (Liszt Ferenc), Вагнер (Richard Wagner). Бурное развитие фортепианной музыки в этот период.
XX век
Известнейшие имена: Рахманинов, Стравинский, Леонард Бернстайн (Leonard Bernstein), Бенджамин Бриттен (Benjamin Britten) и Филип Гласс (Philip Glass).
Современная академическая музыка (условно с 1975 года)
Отличается синтезом элементов классической музыки с электронной музыкой. Некоторые из лучших современных композиторов: Альфред Шнитке (Alfred Schnittke), Карлхайнц Штокхаузен (Karlheinz Stockhausen), Губайдулина С.А., Лигети (Ligeti), Денисов Э.В., Джо Хисаиси (Hisaishi Joe), Николас Хупер (Nicholas Hooper), Джерри Голдсмит (Jerry Goldsmith), Ян Тирсен (Yann Tiersen), Людовико Эйнауди (Ludovico Einaudi), Дэвид Арнольд (David Arnold), Джон Барри (John Barry), Стив Яблонски (Steve Jablonsky), Джон Уильямс (John Williams), Говард Шор (Howard Leslie Shore), Ханс Циммер (Hans Florian Zimmer), Акира Ямаока (Akira Yamaoka) и другие.
Классическая музыка продолжает развиваться и в современности, влияя на другие музыкальные жанры. Например, рок-музыканты очень часто используют классическую тональность. Классика несет в себе совершенную гармонию и целостность.//https://www.kultoboz.ru/classic-music
*************************************************
ПРИЛОЖЕНИЕ
Вся история музыки в 65 карточках
Ключевые события европейской академической музыки: от Пифагора до Кейджа
Считается, что поэт и музыкант из Спарты Терпандр первым начал распевать стихи на определенные мелодические модели (попевки), то есть использовал повторяющиеся музыкальные фразы для запоминания и декламации стихов.
Ему же приписывается усовершенствование первого профессионального музыкального инструмента — кифары, разновидности лиры: он добавил к четырем струнам (тетрахорду) еще три, благодаря чему диапазон инструмента увеличился почти до октавы, и положил начало дальнейшему теоретическому разделению этого диапазона на тоны и полутоны — простейшие интервалы между звуками.
Философу и мистику Пифагору приписываются первые попытки объяснить музыку, в частности интервалы между звуками, с помощью математики, а также установление связи между этими интервалами и движением планет. Пифагорейцы описали музыкальный строй с помощью ряда обыкновенных дробей и высчитали гармоничные и негармоничные интервалы. Эти интервалы строились с помощью монохорда (изобретение которого также приписывается Пифагору) — инструмента без резонатора со струной и подвижным зажимом. В реальной же музыке звучали не математически просчитанные «натуральные» интервалы, а лишь приближенные к ним.
Благодаря пифагорейцам теория отделяется от практики до XVII–XVIII веков, когда развитие музыкального языка приведет к тому, что снова будет необходимо рассчитывать интервалы, чтобы новые инструменты (особенно клавишные) не звучали фальшиво.
При Пиндаре, самом известном древнегреческом поэте, декламировавшем стихи с лирой, формировались основные жанры поэзии со сложными метрическими структурами. По-видимому, он создавал и систематизировал напевы, на которые распевались стихи и оды. Напевы разделились на несколько типов. Каждому соответствовал свой стихотворный метр и свой характер: спокойный и величавый у дорийских, более легкий и живой у эолийских, смиренный и спокойный у лидийских. Позже по типу распевов стали называться музыкальные лады (которые в свое время лягут в основу системы тональностей).
Можно сказать, что в это время трагедия — уже высокоразвитый жанр: Еврипид, например, использовал все существовавшие на тот момент разновидности напевов (мелосов) и по-разному применял их для повышения градуса драматического действия. Это и так называемые народные мелосы — дорийские, эолийские и лидийские, и более изысканные — с уменьшенными и увеличенными интервалами. В трагедии становится меньше хоров, больше монологов, появляются музыкальные антракты — интермедии. К этому же времени относятся первые дошедшие до нас фрагменты трагедий Еврипида с музыкальными знаками, которые в ряде случаев показывают несовпадение музыкального и поэтического метров, то есть мелодия отделяется от текста.
Изобретение гидравлоса — водяного органа — приписывается александрийскому изобретателю и математику Ктесибию. Гидравлос, главный инструмент, сопровождавший публичные мероприятия в Риме, положил начало дальнейшему развитию многоголосных инструментов и созданию искусственных тембров.
Блаженный Августин Аврелий Августин (354–430) — философ, христианский богослов, святой католической, православной и лютеранской церквей. в своем трактате «De musica» впервые дает математическое обоснование музыкальному и поэтическому ритму и рассчитывает метрические пропорции подобно тому, как это сделал Пифагор с пропорциями интервалов (см. здесь).
Поскольку вся система стихосложения основывалась на греческом языке, с распространением латинского языка на античные размеры опираться стало сложно. Августин предпринимает попытку анализировать ритмику как таковую, отдельно от размеров и строф, и приходит к выводу, что ритм кратен двум и трем. Именно из этого предположения вырастут позднейшие представления о трехдольном и двухдольном метре. Теоретические основания «De musica» лягут в основу самых первых практик ритмизации григорианского хорала в VII веке и системы записи нот.
Римский чиновник и философ Боэций в своем трактате «De institutione musica» («Наставления к музыке») вводит три категории музыки: мировая (mundana), человеческая (humana) и практическая (instrumentalis) и, таким образом, разделяет в человеке музицирующем три аспекта: теоретический, сочинительский и исполнительский. Боэций впервые вводит фигуру музыканта как мудреца и жреца гармонии, чем фактически задает парадигму композиторского творчества более чем на полторы тысячи лет. Боэцию также приписывают изобретение латинской буквенной нотации, самые ранние памятники которой, однако, до нас дошли только с XI века.
Около трех веков папские певцы отбирали и обрабатывали огромное количество вариантов богослужебного пения, как возникших в Европе, так и пришедших из Византии, Леванта и Северной Африки. В результате была составлена книга песнопений — антифонарий папы Григория I Великого. Первые варианты антифонария не содержали нотных знаков, а только тексты: сами напевы передавались в устной форме. Григорианский хорал, или «ровный напев» (plain chant), на многие годы стал основным мелодическим фондом европейской музыки.
В Константинополе, с IV века ставшем главным центром певческой культуры Великой Церкви (Церкви до ее раскола), составлен свод церковных песнопений Восточной (православной) церкви, аналогичный антифонарию папы Григория.
Главным его отличием от григорианского хорала был принцип организации песнопений (в том числе христиане использовали и античное музыкальное наследие) по восьми гласам — восьми разным ладам, по очереди использовавшимся в годовом богослужебном цикле. Со временем в православных странах возникали свои системы осмогласия, отличные от византийских. Так, в России сложилась своя система — знаменный распев, который оказал огромное влияние на русскую музыку. Это и оперное творчество Мусоргского, и музыка Рахманинова, построившего на знаменном распеве одну из тем своего знаменитого Третьего фортепианного концерта (1909) и тему судьбы в Третьей симфонии.
Византийский император Константин Копроним прислал в подарок Пипину Короткому небольшой орган. Тот поместил его в домовую церковь. Обычай использовать орган во время церковной службы прижился сначала в придворных кругах, а через некоторое время и в приходских храмах. Считается, что популярности органа способствовало то, что богослужения в католической церкви велись на латинском языке, который народ не понимал. Идея воздействовать на молящихся людей инструментальной музыкой оказалась важной для развития всей европейской музыки.
В восточных церквях богослужения совершались на понятном народу языке, и необходимости дополнять пение инструментами не возникло.
В античную эпоху звуки записывались буквами, но целиком нотированных таким способом сочинений до нас дошло крайне мало. Потом этот тип нотации был забыт, преобладала устная традиция. Только в самом конце первого тысячелетия появились новые системы записи музыки с помощью особых знаков — невм. От ноты невма отличается тем, что это комбинированный знак, в котором содержится звук или даже часть напева. Но невма подчинена только тексту и дыханию певца — в отличие от ноты, четко обозначающей длительность в рамках метра и ритма. Невмы бывают простые (одно-, двух- и трехзвучные) и составные (или расширенные) — для их чтения требуются дополнительные знаки. В какой-то степени невменную запись и линейную нотацию можно сравнить соответственно со слоговым и алфавитным письмом. Невменная запись распространилась практически везде, от Рима до нынешней Армении, от Константинополя до Киева и Владимира (русские «знамена» или «крюки», которыми записывается знаменный распев, — тоже невмы). До сих пор для записи церковных песнопений в некоторых традициях (византийской, древнерусской, болгарской) используются невмы. Это связано с тем, что невмы гораздо яснее передают дух хоральной мелодии, где священный текст — это главное, а его распев — нечто подчиненное. Однако принципиальная привязанность невм к определенным «порциям» певческого дыхания, а не к конкретным длительностям не дает возможности записывать с их помощью многоголосные сочинения, что дала изобретенная только в XI веке линейная система Гвидо. Поэтому невмы так и не вышли за пределы церковного обихода.
Бенедиктинский монах Гвидо д’Ареццо, руководитель монастырской певческой школы, пишет трактат «Микролог», в котором в том числе окончательно формулирует новый способ чтения музыкального текста: ноты располагаются на четырех линейках и в промежутках между ними; вводятся «ключи» для обозначения высоты (аналогичные сегодняшним скрипичному, альтовому и басовому); для удобства запоминания нотам даются названия по первым слогам молитвы к Иоанну Крестителю: ut, re, mi, fa, sol, la (ut впоследствии заменится на do, а si добавится к концу XVI века).
К этому времени относится начало парижской школы Нотр-Дам — первого цехового объединения композиторов. Собрание их произведений «Magnus liber organi» «Великая книга органума». Органум — жанр и техника музыкальной композиции. зафиксировало расцвет средневековой многоголосной музыки, которая, согласно современным источникам, начала зарождаться еще в IX–X веках (до этого все голоса хора исполняли одну и ту же партию). Кроме того, из «Magnus liber organi» мы узнаем первые имена композиторов: Леонин, Перотин Великий и другие монахи собора Нотр-Дам.
Важно отметить, что профессиональная музыка в то время составляла незначительную часть всего объема музыки; в гораздо большем ходу была народная и музыка трубадуров и труверов — все это вместе влияло на формирование традиции европейской академической музыки.
Основательница и настоятельница бенедиктинского монастыря Хильдегарда Бингенская (1098–1179), впоследствии канонизированная как святая, с детства сочиняла музыку на собственные мистические стихи. В 1150-х годах мелодии, написанные для литургических нужд ее монастыря и соседних общин, она собрала в сборник под названием «Гармоническая симфония небесных откровений» (Symphonia armonie celestium revelationum). Их, однако, еще нельзя назвать произведениями, а саму Хильдегарду композитором — в том смысле, в котором мы относим эти слова к Леонину или Перотину. Сохранилась также ее литургическая драма «Действо о добродетелях» («Ordo virtutum») Нотированная редакция датируется 1179 годом.. Это первое в истории представление в жанре моралите с оригинальной музыкой.
Французский композитор и епископ Филипп де Витри в своем трактате «Ars nova» усовершенствовал нотную запись: главным образом это касалось длительности нот и обозначений ритма. Читать музыку с листа и петь по голосам стало проще, что способствовало развитию новых жанров: баллады, мадригала, но прежде всего мотета. Мотет — сложная композиция из как минимум трех голосов (впоследствии нормой стало четыре), каждый из которых распевает разные тексты на разные мелодии и даже часто на разных языках. Есть мнение, что популярность этих жанров парадоксальным образом связана с пандемией чумы: дворы обособлялись, переставали приглашать бродячих менестрелей и вагантов и развлекали себя такими изысканными песнями на светские тексты. (Одна из таких сцен запечатлена, например, в «Маленьких трагедиях» Пушкина.)
Благодаря Гийому Дюфаи, наиболее влиятельному композитору XV века и основателю нидерландской школы, основой музыки эпохи Возрождения становится соединение не только независимых, но и сходных мелодий. В главных техниках музыкального письма этого времени — каноне и имитации — одна и та же мелодия звучит в разных голосах с определенным временным отставанием; все выстроено вокруг центрального голоса Он называется tenor — «держащий». — заранее заданного напева cantus firmus. Эта техника многоголосного письма в основном используется в главном европейском жанре этого времени — мессе.
Так складывается композиторская наука контрапункт (от лат. punctum contra punctum — «точка против точки»), искусство сочетания двух и более мелодических линий в соответствии со строгими правилами благозвучности (консонанса) и неблагозвучности (диссонанса).
Итальянец Оттавиано Петруччи публикует первый нотный сборник «Harmonice musices odhecaton» («Сто сладкогласных песен»), в котором напечатаны светские трех- и четырехголосные сочинения, среди прочих — авторства главных композиторов того времени: Окегема, Обрехта, Жоскена Депре и других.
Мартин Лютер и немецкий композитор и музыкальный теоретик Иоганн Вальтер создают так называемый «Виттенбергский песенник», в котором был переосмыслен жанр церковного хорала. Целью Лютера было приобщить всех прихожан к пению (в католической службе пел только хор, состоящий из монахов). За основу были взяты ритмизованные и «нарезанные» на строфы одноголосные григорианские хоралы и песенная структура, хорошо знакомая народу и удобная для запоминания. Эта модель, созданная мейстерзингерами Мейстерзингеры (от нем. Meistersänger — «искусный певец») — члены профессиональных цеховых объединений поэтов-певцов; в отличие от миннезингеров — «старых мастеров», творчество которых считали образцом для подражания. в XV веке, послужила очень ранним прообразом не только современной песни (куплет плюс припев), но и разных форм академической музыки.
При церкви Санта-Мария-ди-Лорето в Неаполе открывается детский приют, воспитанников которого обучают музыке, чтобы те имели впоследствии профессию. В следующие полвека в одном Неаполе откроется еще три таких заведения-консерватории От лат. conservare — «сохранять».. Консерватории станут главной кузницей для пополнения сначала церковных хоров, а затем оперных театров.
Итальянский музыкальный теоретик и конструктор музыкальных инструментов Никола Вичентино в трактате «Древняя музыка, приведенная к современной практике» совершает попытку восстановить изысканную античную систему мелосов с более мелкими интервалами. Для этого он делит октаву не на 12 (как сложилось к тому времени), а на 31 равную часть 31 ступень в октаве это не произвол, а строгий математический расчет. Он искал варианты получения так называемых альтерированных ступеней (например, до-диез и ре-бемоль у него разные ноты) и возможность таким образом менять тональность со смещением тоники (модулировать), сохраняя чистые интервалы. При других системах темперации того времени это было невозможно: чем больше знаков было при ключе, тем фальшивее на клавишных инструментах звучала музыка., а также строит новые инструменты — архиклавесин и архиорган, на которых возможно извлечение таких интервалов.
Открытия Вичентино хотя и были маргинальными для своего времени Его инструменты были изготовлены в единственном экземпляре., оказали огромное влияние на следующие поколения композиторов: они стали намеренно использовать эти непривычные, фальшивые для средневекового слуха интервалы — для большей эмоциональной выразительности. В царившей тогда полифонической музыке такие непропорциональные интервалы мешали плавной текучести голосов и способствовали тому, что со временем важнее в музыке стала не горизонтальная структура, состоящая из сплетения мелодий, а вертикальная, состоящая из аккордов.
Итальянский композитор Джозеффо Царлино в своем трактате «Основы гармоники» заметил, что, если аккорд, состоящий из трех звуков, математически поделить одним образом В нижней части квинты находится большая терция., гармония делается веселой и более «устойчивой», а другим В нижней части квинты находится малая терция. — гармония становится печальной. К этому моменту еще не было понятия тональности и, соответственно, мажора и минора, но спустя век эти характеристики Царлино станут основой для описания характера звучания музыки в этих тональностях. Мажор и минор окончательно утвердятся уже во времена Баха.
Инструменты скрипичного семейства были созданы сразу целым комплектом для аккомпанемента певческим голосам и совпадали с ними по диапазону: сопрано (обычная скрипка), альт (инструмент получил то же название), а также тенор и бас (предки виолончели) Ранее считалось, что скрипка возникла как усовершенствование распространенных до нее смычковых инструментов типа виолы или ребека, но это мнение давно опровергнуто. Был заимствован только принцип, остальное же было рассчитано с нуля. Строй, состоящий из одинаковых интервалов — квинт, позволял резко упростить позиционную игру (при движении выше по грифу под пальцами оказывались те же интервалы), количество струн — четыре — давало наибольшее удобство при извлечении звуков диатонческой гаммы четырьмя пальцами, «нулевой» (большой) палец служил для удобства скольжения по грифу..
Следует отметить, что, в отличие от многих других инструментов, инструменты скрипичного семейства не претерпели практически никаких изменений в конструкции (не считая конструкции смычка, а также других мелочей вроде формы подставки или замены жильных струн на стальные в ХХ веке).
По заказу королевы Франции Екатерины Медичи итальянский композитор Бальдасар Бальтазарини да Бельджозо ставит при французском дворе «Комедийный балет королевы» («Ballet comique de la Reine») — масштабный спектакль, в котором соединены поэзия, пение и разговоры, но преобладают танцы. С этой постановки начался балет в его сегодняшнем понимании.
К концу XVI века главным вокальным жанром, в котором соединяются все самые современные музыкальные новации, становится мадригал, а главным автором мадригалов — итальянец Джезуальдо да Веноза. Он активно использовал хроматические звуки Хроматическая гамма — последовательность расположенных в восходящем или нисходящем порядке звуков, в которой расстояние между соседними ступенями равно полутону., работать с которыми начал еще Вичентино (см. здесь), для усиления драматизма — изображения аффектов (смерти, скорби, мук, убийства) и звукописи (изображение бега, ветра). Эту отчетливо экспрессивную и динамичную манеру позже назовут «новый сладостный стиль».
Эксперименты Джезуальдо и других мадригалистов послужили формированию современной нам гармонии, мыслимой как последование аккордов, а не составляющих их отдельных тонов.
К началу XVII века главным жанром музыкального драматического представления была мадригальная комедия, где сложное многоголосное устройство песен не давало расслышать текст. Содружество философов-гуманистов и музыкантов — Флорентийская камерата — искало способы возродить жанр античной трагедии. Члены камераты композитор Якопо Пери и поэт Оттавио Ринуччини реформировали мадригальную комедию таким образом, что монологи стали ариями, диалоги — речитативами, а сами мадригалы — хорами. Первыми постановками в новом жанре считаются оперы «Дафна» (1598, не сохранилась) и «Эвридика» (1600).
Православный выпускник Виленской иезуитской академии Николай Дилецкий пишет сначала на польском, а потом переводит на церковнославянский «Идеа грамматики мусикийской». Это не только первое музыкально-теоретическое исследование на русском языке, соединившее современную европейскую и музыку Древней Руси, но и учебник элементарной теории музыки. В нем впервые в истории появляется изображение круга тональностей, наглядно объясняющего устройство мажоро-минорной системы, которая в то время только начинает складываться Следующее изображение мы находим только в Германии почти через три десятилетия. С тех пор эта схема находится во всех учебниках для детских музыкальных школ и училищ..
В эпоху барокко возник концерт. Его предшественник кончерто гроссо — масштабный инструментальный жанр, в котором оркестр, группы инструментов и солирующие инструменты соревнуются, а не дублируют друг друга, усиливая звук. Прежде такое соперничество музыкальных партий существовало только в вокальной музыке Оно называлось «антифон» (хор против хора) и «респонсорий» (солист или ансамбль солистов против хора)..
Первые концерты Известны два основных типа кончерто гроссо: камерный концерт — concerto da camera и церковный концерт — concerto da chiesa. были написаны Джованни Бонончини и Джузеппе Торелли. Наиболее популярным в этом жанре в наше время стал монах Антонио Вивальди (1678–1741), создавший более 500 инструментальных концертов.
Итальянец Бартоломео Кристофори одним из первых усовершенствовал клавесин, основной на тот момент клавишный инструмент. Главным образом изменения коснулись способа извлечения звука: в клавесине струну защипывало перышко, а новый инструмент использовал звукоизвлечение другого родственного инструмента — клавикорда, в котором по струне бьет молоточек. Это давало музыкантам принципиально иные возможности: можно было играть громко или тихо в зависимости от характера прикосновения к клавишам. Но чтобы фортепиано приобрело современный вид, прошло около двух веков. Оно стало универсальным инструментом, на котором можно было играть любую музыку.
С начала XVIII века в Европу начинает проникать музыка военных оркестров янычар. Она была известна европейцам еще со времен нашествия османов в середине XVII века, но воспринималась тогда как «варварская» — гремящая, шумящая и дикая — и вызывала страх. Теперь же, когда опасность миновала, турецкий оркестр становится модной экзотикой. В 1720 году польский король Август II получает в подарок от турецкого султана комплект инструментов, составляющий традиционный военный оркестр: пять труб, два язычковых инструмента типа современных гобоев (шалмеи), большой барабан, тарелки и два маленьких барабанчика; в 1725 году такой комплект выписывает из Константинополя русская царица Екатерина I.
«Турецкий» колорит музыки, связанный прежде всего с ее тембровым составом, потом использовали композиторы классицизма: у Моцарта есть «Воспойте песни великому паше» из зингшпиля «Похищение из сераля», а у Бетховена, например, это марш из музыки «Афинские развалины» и один из эпизодов очень немецкой «Оды к радости» из Девятой симфонии.
В своем трактате «Функциональная гармония» Точное название — «Трактат о гармонии, сведенной к ее природным началам». французский композитор и теоретик Жан-Филипп Рамо фиксирует изменение музыкального языка Кроме того, Рамо соединил эту идею с пифагорейской системой обертонов в своей работе «Новая система теоретической музыки» (1726).. К XVIII веку аккорд — одновременное воспроизведение нескольких звуков, а не последовательность отдельных нот — становится главным строительным материалом музыки. Рамо выстраивает иерархию аккордов, расположенных на разных ступенях (опорных точках) гаммы и называет их функциями: тоникой (основной тон), субдоминантой и доминантой. Отныне отношения (или тяготения) между функциями составляют суть музыкальной речи — они выполняют в музыке роль, сравнимую с риторикой: тоника — основная мысль; доминанта и субдоминанта — ее рассмотрение с разных сторон; и снова утверждение — тоника. Характерный пример — «три блатных аккорда» в «Мурке».
В «Хорошо темперированном клавире» Иоганн Себастьян Бах решает проблему деления октавы на части (темперации), про которую композиторы и музыкальные теоретики думали со времен Пифагора (см. здесь). Но решает ее не теоретически, а практически: Он пишет цикл клавирных произведений для всех 24 тональностей — 12 мажорных и 12 минорных. (Раньше композиторы предпочитали не сочинять произведения в тональностях с большим количеством знаков — диезов или бемолей — при ключе.)
Фактически своим произведением он декларирует: если октава делится на 12 равных полутонов, то во всех тональностях музыка будет звучать хорошо. Своим сборником Бах фактически узаконил новую систему темперации, актуальную и в наши дни.
Принято считать, что симфония возникла из увертюры — вступления к опере. С конца XVII века итальянская увертюра сочинялась по плану: быстрый раздел — медленный — быстрый Считается, что впервые такую увертюру написал Алессандро Скарлатти в 1681 году.. Эти разделы, со временем ставшие самостоятельными, и лежат в основе симфонии. Позже к трем разделам добавляется еще одна музыкальная форма — менуэт. Меняется содержание быстрого раздела, теперь он основан на столкновении и развитии двух музыкальных тем. Меняется и инструментальный состав: к струнному оркестру добавляются духовые инструменты Валторны и деревянные (гобои и флейты) подчеркивают средние и высокие обертоны струнных, усиливают и уравновешивают их.. Такие сочинения мы можем видеть, например, у Джованни Саммартини в 1730-е годы, а с конца XVIII века симфония надолго становится главным жанром инструментальной музыки Не менее важный прообраз австро-немецкой симфонии — это sonata da camera и sonata da chiesa. У Гайдна огромное количество симфоний, выросших из них..
Немецкий флейтист Иоганн Иоахим Кванц в своем трактате «Опыт наставления в игре на поперечной флейте» 1752 года впервые вводит фигуру музыкального руководителя, будущего дирижера. Этому посвящены главы «Что должно учитывать при выступлении в открытых концертах», «О качествах музыкального руководителя» и некоторые другие. Однако до появления книг о дирижерской профессии, написанных Берлиозом и Вагнером, пройдет еще почти сто лет, а до превращения дирижирования в «точную науку» Германом Шерхеном — еще больше (исследования Шерхена появляются на рубеже 1920-х и 1930-х годов).
Это не значит, что коллективное исполнительство до этого момента было совсем не централизовано: как правило, группой музыкантов руководил клавесинист, размахивая свернутыми нотами или рукой, или сам композитор с баттутой — специальной палочкой, служившей для отбивания такта. Известная нам дирижерская палочка появится в Вене в начале XIX века, а из «отбивателя ритма» в «творца» дирижер превратится в середине XIX века, когда повернется к публике спиной.
За полтора столетия итальянская опера (см. здесь) фактически превратилась в «концерт в костюмах» — последовательность номеров, почти не связанных единым сюжетом. Венский композитор Кристоф Виллибальд Глюк совместно с либреттистом Кальцабиджи снова обращается к античной драме. В опере «Орфей и Эвридика» он впервые применяет сквозное драматургическое развитие, в чем ему помогают успехи оркестровой музыки его времени, в первую очередь развитие симфонии. События стали разворачиваться не только в речитативах, но и в вокальных сценах. В самих речитативах зазвучал целый оркестр (раньше была только басовая линия). Да и сама опера стала значительно короче за счет сокращения огромного количества внесюжетных сольных номеров. Сам «Орфей», поставленный в Вене, успеха не имел, как и последовавшие за ним оперы, написанные по тому же принципу и тоже на сюжеты из греческой мифологии («Альцеста», «Парис и Елена»), но в Париже с новым либреттистом дю Рулле Глюк не только достигает европейской известности, но и приобретает учеников и последователей — Сальери, Спонтини и Керубини.
Принципы Глюка разделили не все композиторы, но оперный театр во всех странах, кроме Италии, стал развиваться по намеченному им пути, пока Вагнер не реформировал оперу снова.
Жан-Жак Руссо одновременно с Глюком (см. здесь) предлагает собственную реформу музыкального театра, убирая оттуда пение. Актеры просто декламируют и играют в сопровождении оркестра, который, как и у Глюка, определяет характер действия и дает поддержку исполнителям на сцене. Мотивы были те же, что и у Глюка: драма и музыка слишком далеко разошлись. Так появляется мелодрама, первый образец которой дает сам Руссо, — «Пигмалион». Мелодрама становится модной, но в романтическую эпоху практически исчезает из театра, становясь концертным жанром мелодекламации. Сегодня этот жанр почти исчез, но рэп, например, основан на тех же принципах «говорения под музыку».
Моцарт становится первым композитором, не состоящим на службе В XVIII веке и ранее все композиторы состояли где-то на службе: в штате одного из многочисленных королевских, княжеских или графских дворов раздробленной тогда Германии — канторами, органистами и учителями при соборах. Как, например, Гайдн, почти всю жизнь бывший капельмейстером у князя Эстерхази, или как в свое время Бах. . В 1781 году он порвал со своим патроном — архиепископом Зальцбургским, уехал в Вену и стал жить отдельными заказами, а позже — и организацией «академий» (так тогда назывались симфонические концерты по подписке, чаще всего авторские). Так, в течение трех летних месяцев 1788 года он написал для такой «академии» сразу три симфонии (№ 39, 40 и 41) Это была крайне рискованная программа: больше одной симфонии в концерте исполнялось редко.. К этому добавилась продажа прав на издание нот, а еще позже — всевозможная меценатская поддержка. Что, впрочем, не сделало композитора богатым.
Как раз в это время Моцарт достиг высшей точки классического симфонизма XVIII века, оставив далеко позади своих современников. Гениальное новаторство Моцарта особенно заметно в Сороковой и Сорок первой симфониях. Именно гибкая, вздыхающая мелодия главной партии первой части Сороковой и по-баховски сложный финал Сорок первой дали жизнь музыке будущего века, в первую очередь Бетховена и Шуберта Бетховен достроил моцартовское здание, гениально разрушив его в своей последней симфонии, а Шуберт подхватил в первую очередь принципы мелодической драматургии и стал отцом романтической симфонии.. Три последние симфонии Моцарта и по сей день исполняют чаще прочих.
Сначала в Чехии, Германии, а потом и в других странах Восточной и Северной Европы появляются хоровые общества — небольшие, но многочисленные объединения, исполняющие несложный хоровой репертуар. С этих «низовых» обществ начинает складываться такое явление, как национальная музыка и вообще музыкальный романтизм с его интересом к национальным традициям и малым формам — фортепианным пьесам и песням, которые удобны для домашнего исполнения.
В эпоху романтизма возникает новый тип музыканта — виртуоза, и складывается культ особого его почитания. Никколо Паганини, начавший как вундеркинд и продолживший карьеру почти непрерывно гастролирующего скрипача, привлекал публику не только мастерской и точной игрой, но и загадочным, порой экзальтированным поведением. Его собственные каприсы для скрипки (сочинения свободной формы, благодаря Паганини ставшие виртуозно-изысканным жанром), ноты которых мог купить каждый исполнитель, были первым вызовом виртуоза не виртуозу.
Новый для XIX века жанр — программная симфония, то есть имеющая литературную программу, появляется с легкой руки Бетховена. Пытаясь создать что-то, что соединяло бы не только инструментальную и вокальную музыку, но и уравнивало музыку и литературу, Бетховен вынужден закончить Девятую симфонию (1824) как ораторию: в финале солистами и хором исполняется «Ода к радости» на слова поэмы Фридриха Шиллера. Надо заметить, что более ранние сочинения с названиями (концерты Вивальди, симфонии Гайдна) опирались на живопись или в лучшем случае описательную поэзию; в них отсутствовал литературный нарратив. Непосредственно он появляется у Гектора Берлиоза в его «Фантастической симфонии» 1830 года: Берлиоз не использует вокал, но предлагает слушателю прочитать написанный им сопроводительный текст, состоящий из названия и краткого литературного вступления к каждой части. Эти эксперименты продолжил Феликс Мендельсон. Две его увертюры — «Гебриды, или Фингалова пещера» (1832) и «Морская тишь и счастливое плавание» (1828–1834) — считаются непосредственными предшественниками жанра симфонической поэмы, созданной Ференцем Листом. Таким образом, романтики не придумали собственной крупной формы, но перепридумали старую, наполнив ее новаторским для своего времени содержанием.
1850-е годы — расцвет творчества итальянского оперного композитора Джузеппе Верди и одновременно кульминационный пункт в развитии итальянской романтической оперы. Партитуры Верди вобрали все лучшее, что было найдено авторами первой трети века: Россини, Беллини и Доницетти уже превратили оперную рутину С разделением партитур на оперу-сериа и оперу-буффа. ХVIII столетия в синтез романтической драмы и виртуозного пения — бельканто — за счет принципиально другого подхода к мелодии и фразе. Огромные речитативные эпизоды теперь пропеваются, а голоса соревнуются с солирующими инструментами оркестра. Но именно Верди окончательно доводит их дело до конца, пронизывая свои оперы сильнейшим драматургическим стержнем, изысканной оркестровкой и мелодиями уникальной красоты и простоты одновременно — вплоть до того, что они становились подлинными шлягерами в современном понимании, а то и гимнами национального возрождения Как знаменитый «Хор рабов» из оперы «Набукко»..
Только с одним обстоятельством Верди не удавалось бороться долгое время — это плохие либретто. Над либретто одной из самых популярных опер Верди «Трубадур» (1853) трудились несколько либреттистов, ни один из которых толком не закончил своей работы, поэтому в подробностях сюжета существует масса нестыковок. Но одновременно эта особенность «Трубадура» и делает его уникальной оперой: при правильно выстроенной музыкальной драматургии и эффектной мелодической основе сюжет уже перестает быть важным.
Вагнер воплощает в жизнь мечту романтиков о «тотальном театре» Это театр, не привязанный к месту, подстраивающийся под любую декорацию, подчас без актеров и даже зрителей.: он придумывает музыкальную драму — оперу со сквозным сюжетным и симфоническим развитием и с системой лейтмотивов (собственных мелодий каждого героя). До Вагнера такое было возможно в симфониях, но не в операх, делившихся на отдельные номера — арии, дуэты, хоры и речитативы. Вагнер первым использовал в опере симфонический синтаксис, то есть музыка перестала быть подчинена тексту, теперь они равноправны. Вагнеровские принципы стали основными для оперы второй половины XIX века.
В 1875 году в Бостоне впервые исполняется Первый фортепианный концерт Чайковского. В Москве самый виртуозный пианист своего времени Николай Рубинштейн, патрон и покровитель Чайковского, увидев еще не дописанную партитуру, по непонятным причинам отказался его исполнять. Для России 1870-х годов эта музыка была слишком новаторской, публика ждала «национального, реалистического искусства» в духе Милия Балакирева и «Могучей кучки». Концерт Чайковского, стоя в одном ряду с концертами Брамса и Листа, требовал высочайшего уровня исполнения. В результате первым его сыграл немец Ганс фон Бюлов.
Первый фортепианный концерт стал началом международного успеха Чайковского. И до сих пор это его сочинение остается, наверное, самым популярным во всем мире, и в особенности — в США.
В 1872 году король Людвиг Баварский (1845–1886) выделяет деньги на постройку оперного театра в Байройте для своего кумира Рихарда Вагнера, который как раз заканчивает в этом году свою колоссальную тетралогию — «Кольцо нибелунга». Строительство не раз останавливалось из-за нехватки средств, но в постройку вкладывалось и молодое немецкое правительство, и даже османский султан Абдулазиз. Уже через четыре года театр, не имевший аналогов в Европе, был готов, и с 13 по 17 августа 1876 года состоялась премьера «Кольца», мистерии, в которой Вагнер подменяет греческий миф германским.
Вагнер полностью перепридумал устройство театра. Огромный оркестр спрятан под сценой, это не только обеспечивает наилучший звуковой баланс между солистами и остальными музыкантами, но и не дает зрителям разглядывать оркестрантов. В зале нет ни балконов, ни галерей, есть только ложи и длинные ряды партера; на представление нельзя опаздывать и мешать себе и другим зрителям погружаться в действо — все внимание должно быть сосредоточено на происходящем. Фестивальный театр в Байройте — это первый «храм музыки», сакральное место, куда съезжаются паломники, придающие музыкальному действу значение религиозного ритуала. Байройтский театр до сих пор исполняет только оперы Вагнера.
Митрофан Беляев, издатель и меценат, привозит в Париж музыку русских композиторов. Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков стали главными открытиями года, фактически предвосхитившими успех Русских сезонов. Техника письма Мусоргского и Бородина, оркестровые приемы Римского-Корсакова производят огромное впечатление на Дебюсси и молодого Равеля. Не насчитывающая и века национальная школа начинает оказывать влияние на старейшую в мире.
Эрик Сати, молодой французский музыкант, поселившийся на Монмартре, точке встречи радикально настроенных художников и поэтов, ищет новые музыкальные закономерности и изобретает свою собственную систему композиции: несколько коротких музыкальных фраз пристыковывались друг к другу в порядке, кажущемся произвольным (на самом деле — следуя изощренной формальной логике), что полностью обнуляло классическое понимание музыкальной формы. Уже через год (около 1893–1894) Сати пишет пьесу «Vexations» («Неприятности» или «Раздражения»), состоявшую из одной-единственной нотной странички, которую предписывалось сыграть 840 раз подряд. Впервые это предписание будет исполнено только через 70 лет в 1963 году Джоном Кейджем Кейдж исполнял «Vexations» по очереди с 11 музыкантами. Каждый сет длился 20 минут. Все исполнение продолжалось 18 часов 40 минут.. Таким образом, Сати стал первым композитором, придумавшим принципы музыкального авангарда еще до его радикальных проявлений в футуристических и дадаистских перформансах.
С симфонической поэмы Клода Дебюсси «Прелюдия к „Послеполуденному отдыху фавна“» и последующих его произведений начинается музыкальный модернизм. Дебюсси отказывается от привычного использования оркестра как средства создания монументального, насыщенного звучания. Он использует его как совокупность групп инструментов с продуманными фактурами звучания. Например, в группе из флейты, альта и арфы основной звук различен, но призвуки их тембров (обертоны) очень похожи. То есть Дебюсси впервые обращает пристальное внимание на тембровую палитру аккорда, тембр становится самостоятельным, крайне важным параметром сочинения, подлежащим классификации и упорядочению. А ряды одинаковых по составу, ярко окрашенных аккордов, медленно плывущих по страницам оркестровых партитур Дебюсси, не обращают внимания на буйки и маяки, расставленные по правилам классической гармонии, которая начинает стремительно распадаться также с этого момента Следует заметить, однако, что у Рихарда Штрауса в его симфонических поэмах конца 1880-х годов (например в «Дон Жуане») уже намечалась эта линия, но впервые в законченном виде она появляется только в «Тиле Уленшпигеле», датированном 1894–1895 годами..
Американец Тaддеус Кэхилл получает патент на свое изобретение — первый в мире электромузыкальный инструмент: телармониум, генерирующий звуки с помощью электромагнитных колебаний (звуки соответствовали частотам звуков темперированного строя). Так как ни радиолампы, ни электродинамические громкоговорители еще не были изобретены, услышать первый концерт телармониума можно было только через телефонную линию (концерты были доступны абонентам нью-йоркской телефонной сети). Как и в обычном органе, к чистому (синусоидальному) тону для придания хоть какой-то естественности звучания добавлялись еще пара обертонов. Так было положено начало аддитивному синтезу звука Метод получения сложного тембра сложением различного количества простых волн., одной из основных звуковых моделей в современной электроакустической музыке всех стилей и жанров Так, в самом дорогом синтезаторе последней трети ХХ века Synclavier вплоть до прекращения его выпуска в 1993 году продолжал использоваться аддитивный синтез наряду с более дешевым и универсальным частотным синтезом.. Услышать телармониум уже нельзя, но современный электроорган работает на тех же принципах.
1908 год считается началом атональной музыки, то есть основанной не на ладовых устоях и тональных центрах, которые доминировали в музыке с 1722 года (см. здесь), а на собственной, придуманной, системе взаимосвязей звуков. Одновременно три композитора — Арнольд Шёнберг, Чарлз Айвз и Бела Барток (хотя эксперименты начал еще Ференц Лист в 1885 году, а у Скрябина атональность возникает в 1905-м) — пишут сочинения вне или над тональной системой: Шёнберг — финал Струнного квартета № 2, Айвз — «Вопрос, оставшийся без ответа» и Бела Барток — Багатели соч. 6, № 2 и 3.
В 1910 году был зарегистрирован первый мировой рекорд в индустрии грамзаписи: совокупный тираж трех записей популярнейшей арии «Vesti la giubba» («Смейся, паяц») из оперы «Паяцы» Руджеро Леонкавалло 1892 года в исполнении Энрико Карузо превысил миллион экземпляров. Это было начало индустрии в ее сегодняшнем виде, когда союз звукозаписывающих компаний и концертных агентств «делают звезд» музыки, хотя еще в 1900 году имя исполнителя на пластинке или валике фонографа ничего не значило. Карузо оказался одной из первых жертв всемирной популярности: колоссальные перегрузки подорвали здоровье артиста.
Скрябин, обладающий, как нередко бывает среди музыкантов, «цветным слухом» Музыкально-цветовая синестезия — особенность слуха, при которой музыкальные звуки вызывают у человека цветовые ассоциации, отказавшись от тональности, предлагает слушателю ориентироваться в переходах от одной части формы к другой с помощью цвета. В музыкальной поэме «Прометей» (или «Поэма огня») он применяет «световую клавиатуру» в качестве своего рода индикатора тональности: на московской премьере 1911 года предполагалось, что цвета будет проецировать над музыкантами специальный проектор со сменными фильтрами, но, по одной из версий, устройство оказалось слишком маломощным и концерт прошел без мультимедиасоставляющей. Первое исполнение со специально сконструированным для этого инструментом хромола (его создал инженер Престон Миллар) состоялось только в 1915 году в нью-йоркском Карнеги-холле. Этот момент следует считать точкой рождения мультимедийной композиции в современном смысле этого слова.
Итальянский композитор, художник и поэт-футурист Луиджи Руссоло строит шумовые инструменты (он называет их Intonarumori), создает шумовой оркестр и пишет манифест футуристической музыки. Так начинается стирание грани между шумом и музыкой — самое яркое музыкальное событие после начала распада тональности До самого последнего времени, да и сейчас, у самых разных авторов можно встретить деление звуков на музыкальные и немузыкальные (шумы). Это определение существует со времени выхода основополагающего труда Гельмгольца «Учение о слуховых ощущениях как физиологическая основа для теории музыки» (1863), где тот определял шумы как апериодические колебания в противоположность периодическим — музыкальным звукам. В физической реальности звуки поющих голосов и музыкальных инструментов значительно сложнее «чистого» периодического звука, проще говоря синусоиды. Причиной этого является, в частности, и то, что шумы, сопутствующие звукоизвлечению, удалить из него невозможно и они являются источником хорошо различимой апериодики. Более того, эти шумы являются неотъемлемой частью такой важного параметра звука, как тембр. Эмансипация этих шумов в инструментальной музыке началась с нововенцев и Бартока, использовавших все большее количество разных видов «зашумленного» звука (вплоть до обратного хода оттянутой струны с ударом о гриф в 4-м квартете Бартока, 1928) и достигла кульминации в «конкретной инструментальной музыке» Хельмута Лахенмана на рубеже 1960–70-х годов, где «музыкальные» звуки практически не используются..
Инструменты Руссоло фактически были шумовыми машинами; нечто подобное очень давно использовалось в театре, в том числе оперном, а затем и в кино. Принципиально новым шагом была созданная для таких инструментов партитура, именно она придавала шуму упорядоченность во времени, а с ней и музыкальный статус От всех партитур Руссоло осталась только одна страница. Инструменты также погибли в 1940-х годах и были реконструированы только в 1978 году Даниеле Ломбарди.. Принято считать, что изобретение Руссоло повлияло на стили, появившиеся уже в компьютерную эпоху, — нойз и индастриал.
Премьера балета Стравинского состоялась в Париже в рамках Русских сезонов и по силе воздействия была подобна появлению Ван Гога, Гогена и Сезанна в живописи: в то время господствовала мода на импрессионизм и камерное использование оркестровых звучностей. Поразительным здесь было не только использование оркестра с его огромным составом духовых и ударных и не «кричащие» необычные аккорды (аналогичные аккорды уже были у Бартока, у Веберна, у Дебюсси и Штрауса) — Стравинский в «Весне священной» освободил ритм от оков метра так же, как Шёнберг или Барток — тональность от функций, доставшихся в наследство от Рамо (см. здесь). Параллельное явление в поэзии — Маяковский с его акцентным стихом. Главным для Стравинского становится не сильная или слабая доля в такте, а акцент, заключенный в самой природе музыкального мотива. Несовпадение акцента и метра, чаще встречающееся в фольклоре, чем в академических сочинениях, придает музыке напряженность. А наслаивание таких «свободных» ритмических фигур друг на друга и на тактовую «сетку» производит еще больший эффект. Эта техника — полиритмия — была широко распространена в традиционных культурах, а благодаря Стравинскому вошла в арсенал академической музыки. На полиритмии также построен весь джаз.
«Победа над Солнцем» — первый футуристический перформанс, построенный на алогичности, с серьезной музыкальной составляющей (естественной для футуристов, диссонансной и резкой), — придумали художник Михаил Матюшин и поэт Алексей Крученых. По сюжету группа будетлян отправляется завоевывать Солнце, утверждая победу нового прогрессивного над всем старым, над самой природой.
Интересно, что, как и в итальянском футуризме у Руссоло, здесь наиболее радикальные музыкальные идеи были предложены именно художником Матюшиным. В том числе футуристические — нотные знаки для интервалов меньше полутона, струнные инструменты необычных кубистических форм. После премьеры оперы состоялась только еще одна ее постановка: в Витебске в 1920 году. Интерес к подобным перформансам в России возродится уже в последней трети века в среде визуального искусства.
На пластинке коллектива Original Dixieland Jass Band Сначала «желание человека трястись, прыгать и кривляться» (по версии журнала Literature Digest) писалось как Jass, затем как Jasz, и только с 1918 года слово стало писаться Jazz. «Tiger Rag» записана мелодия французской кадрили, которую танцевали еще в парижских публичных домах в эпоху Луи Бонапарта (1852–1870). Кадриль очень близка к прямому предку джаза — жанру фортепианной танцевальной музыки регтайму. Появление пластинок диксиленда положило начало эре джаза, а сегодня диксилендом называют весь традиционный джаз. Вообще говоря, джаз — первый феномен глобализации, музыка, в формировании которой равноправно задействованы три континента (Америка, Африка и Европа).
Отъезд из Петрограда в США скрипача, композитора и педагога венгерского происхождения Леопольда Ауэра и его учеников приводит к тому, что центр скрипичной педагогики и исполнительства перемещается за океан. Ауэр работал в Российской империи с конца 1860-х годов и фактически создал современную методику скрипичной педагогики. Его последними учениками, уехавшими в Америку, были такие звезды, как Яша Хейфец, Ефрем Цимбалист, Миша Эльман.
США практически мгновенно стали «скрипичной сверхдержавой» (особенно после эмиграции почти всех крупных скрипачей австро-немецкой школы в 1930-е годы), а СССР благодаря тому, что здесь остались знаменитые педагоги В первую очередь Игумнов и Гольденвейзер в Москве и Леонид Николаев в Петрограде, а также пианист немецкого происхождения Генрих Нейгауз., стал меккой пианистов всего мира.
В 1921 году в германском Донауэшингене прошел первый фестиваль новой музыки под названием «Донауэшингенские камерные концерты в поддержку современной музыки». Эксцентричный князь Фюрстенберг пошел на уговоры Пауля Хиндемита и ряда других композиторов в тяжелой экономической ситуации поддержать новое музыкальное искусство. До этого новая и старая музыка звучали в концертах и фестивалях вместе. Теперь композиторы-новаторы отделяются от академистов и своих предшественников так же, как это сделали художники Венского сецессиона Венский сецессион — объединение художников, венский вариант стиля модерн (югендштиль). Основан в 1897 году, когда несколько венских художников порвали с консервативным искусством. за два десятилетия до этого. За годы раздельного существования разделился в своих предпочтениях и слушатель.
«Прасоната», или «Соната первозданных звуков» («Ursonate»), Курта Швиттерса сначала выглядела как набор звуков: «Fümms bö wö tää zää Uu, pögiff, kwii Ee». Швиттерс произносил ее к месту и не к месту в литературных салонах, пока в процессе импровизации она не превратилась в настоящую сонату в четырех частях, где вместо музыкальных тем были фонетические, но развивались они по законам классической сонатной формы. В 1932 году Швиттерс записал «Ursonate» на грампластинку.
Этот опус Швиттерса считается самым радикальным синтезом музыки и слова даже по сравнению с более знаменитой футуристической «Битвой при Адрианополе» Маринетти 1914 года.
Изобретение радио положило конец монополии грамзаписи на техническое воспроизведение музыки. В Великобритании сразу же была создана национальная вещательная компания — British Broadcasting Company (BBC). С самого начала в сетке вещания было запланировано три концерта: один в 19:30, другой в 21:30, а после 22:00 — выступление танцевального оркестра. С 1923 года начались прямые трансляции из Ковент-Гардена, а в программах было очень много новой музыки (включая Шёнберга и Бартока) с профессиональным комментарием.
Наконец, у Би-би-си появились свои «настоящие» оркестры — джазово-танцевальный (1928) и симфонический (1930), а также хор. По образу и подобию Би-би-си создавались многочисленные национальные вещательные корпорации (NBC в Америке, например, была создана только через четыре года, в 1926 году).
Вопреки предсказаниям, радиотрансляции «убили» не граммофон, а домашнее любительское музицирование: вечерние домашние концерты сменились семейными прослушиваниями концертов по радио, а в 1950-е годы — по телевидению.
После атональной музыки додекафония — вторая «изобретенная» техника, остальные складывались сами и ждали, пока их формально опишут, как это сделали Филипп де Витри, Вичентино, Царлино, Рамо и другие. Композиторы искали какую-то систему, которая бы заменила функциональную тональность, но была бы более гибкой и всеобъемлющей. Так Шёнбергу удалось построить стройную и непротиворечивую систему из 12 тонов, в которой каждый следующий тон связан только с предыдущим. Последовательность из этих тонов называется серией; внутри серии ни один звук не повторяется. Серия из 12 звуков (по-гречески «додека») становится основным строительным материалом додекафонной музыки, но она не является ни мелодией (хотя вполне может приобрести ее форму), ни аккордом (хотя частями или целиком может быть взята одновременно), а скорее звуковым полем, то есть принципиально новым состоянием звуковой материи.
Сюита (соч. 25) и Вальс (соч. 23, № 5) появились в печати в 1923–1924 годах одновременно с авторским описанием додекафонного метода сочинения.
«Король джаза» Пол Уайтман заказал Джорджу Гершвину необычную партитуру — сочинение для фортепиано и джаз-оркестра, и впервые в истории музыки Гершвин решил задачу соединения джазовой мелодии и классической формы (правда, не без помощи асисстента Уайтмана — Ферда Грофе).
Премьера «Rhapsody in Blue» состоялась в 1924 году. Гершвин и Уайтман не раз переделывали композицию, и в своем современном виде она стала первым американским классическим сочинением, приобретшим всемирную известность. Гершвин же, продолжая сочинять песни для мюзиклов и кинофильмов, пришел в конечном итоге к написанию целой блюзовой оперы из жизни чернокожих — «Порги и Бесс» (1935), обошедшей оперные подмостки всего мира. Стиль, открытый Гершвином, Грофе и Уайтманом, лег в основу голливудской киномузыки, традиция которой существует и до сегодняшнего дня.
Эксперименты по озвучиванию кино начались с 1910-х годов, но лишь в середине 1920-х кино по-настоящему «заговорило». Надежная синхронизация не только музыки и шумов, но и речи актеров появилась в 1926–1927 годах, а первым полнометражным фильмом, где была применена такая синхронизация, стала американская картина «Певец джаза» Собственно, первая озвученная реплика Джека (героя Эла Джолсона) начинается только на 18-й минуте: «Минуточку! минуточку! Вы еще ничего слышали»..
Звуковая дорожка все еще была записана на специальной пластинке, и только позже Western Electric нанесла ее прямо на кинопленку (так называемая оптическая фонограмма). Режиссеры, сценаристы и актеры радикально поменяли язык кинематографа, но первоначально практически все звуковые фильмы были музыкальными, как «Певец джаза». Из-за этого без работы остались музыканты оркестров, озвучивавших немое кино, хотя вплоть до 1960-х они играли перед сеансами в фойе.
Вообще монтажные принципы кино очень сильно отразились на музыке тех композиторов, которые много работали для него (в первую очередь Артюра Онеггера и Сергея Прокофьева, позже — Альфреда Шнитке), а также никогда не работавшего в кино Стравинского.
К 1910-м годам оркестры сильно разрослись, а ударные инструменты в них стали самостоятельной группой В классическом оркестре ударные инструменты были представлены только парой барабанов, тарелками и литаврами, с которыми могли управиться один-два исполнителя.. В связи с модой на экзотику в группу попадают латиноамериканские и дальневосточные ударные инструменты. Пионерами «эмансипации ударных» выступили Стравинский и Барток Уже в раннем балете Онеггера «Сказание об играх мира» (1918) с 3-й по 6-ю картину звучат только ударные, в Первой симфонии Черепнина (1927) одна часть написана только для ударных инструментов; в опере Шостаковича «Нос» (1928) для ударных написан целый антракт., но первое самостоятельное произведение для ударных, «Ионизация», написал в 1929–1931 годах Эдгар Варез, французский композитор, живший в США. Вдохновившись практикой шумовых экспериментов футуристов, он впервые применил современную нотную запись для ансамбля ударных инструментов — по исполнителям. Всего в «Ионизации» 13 исполнителей, играющих на 46 инструментах. Таким образом, за ударными наконец закрепилась функция солирующих концертных инструментов.
В 1938 году в Дюссельдорфе на выставке «Дегенеративная музыка», сделанной по тому же принципу, что и «Дегенеративное искусство» 1937 года, были собраны образцы музыки, «чуждой духу нации». К этому моменту почти все представленные в экспозиции композиторы и исполнители уже уехали из Германии и Австрии. Это были музыканты не только еврейского происхождения, но и «породненные лица», а также те, кто придерживался левых взглядов, и просто не желавшие сотрудничать с гитлеровским режимом. В 1940 году в США сконцентрировались эмигранты не только из Германии и Австрии, но и из Венгрии, а также из оккупированных стран. Это привело к небывалому стечению обстоятельств: весь цвет европейского модернизма (Шёнберг, Стравинский, Хиндемит, Барток, Кшенек) оказался в стране, которая только строила свою национальную композиторскую школу. За Америкой окончательно закрепляется статус мировой державы не только в области развлекательной, но и академической музыки. Тем временем отток крупных музыкантов из Европы приводит к опустению академической сцены и появлению (фактически с нуля) послевоенного авангарда.
В 1946 году в Дармштадте открываются Международные летние курсы новой музыки. Летняя школа была организована как часть плана денацификации: там можно было услышать музыку, запрещенную прежде нацистским режимом, и лекции крупных музыковедов. Через пять лет Дармштадт становится центром новой музыки, игнорирующей любые прежние формы тональной организации и сочиняющейся исключительно по принципам структурализма — фактически послевоенный авангард пытается начать музыку с нуля.
В этом большую роль сыграли теоретические взгляды философа Теодора Адорно, сравнившего диктат тональности в музыке с тоталитарным управлением, а также экспериментальное сочинение Оливье Мессиана «Четыре ритмических этюда». Мессиан обращается к технике мотетов и одновременно реконструирует и деконструирует практику исполнения григорианского хорала эпохи раннего Средневековья. Среди композиторов, изобретавших новые техники, получившие название «сериальных» (не путать с серийными!), выделялись двое учеников Мессиана — Пьер Булез и Карлхайнц Штокхаузен, а также молодые итальянские композиторы Луиджи Ноно и Лучано Берио. Еще через пять лет визит Джона Кейджа в Дармштадт окончательно похоронил эту, видимо, хронологически последнюю попытку создания универсального музыкального языка на основе идей структурализма. В свои права вступили постструктурализм, а затем и постмодерн.
Кейдж сочиняет пьесу «4’33»», в которой музыканты выходят на сцену с инструментами и не играют в течение четырех с половиной минут. Так начинается исследование границ музыкального: во время исполнения сочинения все посторонние и случайные шумы становятся составной частью музыкального произведения. В этом отличие эксперимента Кейджа от более ранних опытов такого же рода, так как они не предполагали подобных концептуальных рамок. С другой стороны, именно это сочинение, которое часто считают «пределом музыки», явилось отправной точкой для многих композиторов, превративших тишину или паузу в равноправный со звуком акустический стройматериал. Это относится к Луиджи Ноно (особенно в позднем творчестве) и его ученику, патриарху авангарда 1960–70-х Хельмуту Лахенману, а также к многочисленным авторам, работающим на грани слышимого и неслышимого (например, Сальваторе Шаррино).
http://jezmmm.ru/meta/shlemovana/2020/05/15/n-shlemova-manifest-novogo-iskusstva-iskusstva-sinteza/…..
!!! https://vk.com/neoclassicaru
Радио Орфей (Москва 99,2 FM)
https://orpheusradio.ru
Орфей — единственная в России государственная радиостанция классической музыки. В эфире радиостанции представлены сочинения композиторов разных стран, эпох и стилей. Слушать радио Орфей онлайн на сайте orpheusradio.ru.
Что нового в новой музыке? Лекция в ФШ СПб:
https://www.youtube.com/live/y7V1IKzjgpw?feature=share//31.05.23
https://www.youtube.com/watch?v=xllxUgA3ju0 — Antonio Vivaldi | The Best Violin & Cello Sonatas | Baroque Music Playlist
Classical Tunes | классическая музыка для всех